Pearl Jam – Live On Ten Legs
Pearl Jam a vingt ans. Pour entamer une année de célébrations (leur propre festival cet été aux USA, les ressorties de Vs et Vitalogy, notamment), le groupe sort Live on Ten Legs, reprenant dix tournées, entre 2003 et 2010.
On va vider le sac d'entrée : non, LOXL n'est pas représentatif d'un concert de Pearl Jam, surtout que quasi tous leurs concerts depuis 2000 sont sortis officiellement en cd, la plupart était disponibles gratuitement. Non, la sélection de morceaux n'est pas irréprochable : pourquoi Arms Aloft et Public Image (des reprises de Joe Strummer and the Mescaleros et de PiL) et pas, par exemple, Sonic Reducer ou Kick Out the Jams? De même, les premier et dernier albums sont fort représentés (5 extraits de l'époque Ten, six de celle de Backspacer) alors qu'on ne compte qu'un seul représentant pour Binaural (mais c'est le merveilleux Nothing as it Seems), Yield, Riot Act, Avocado et... aucun No Code. Enfin, personne ne pourrait imaginer un concert de Pearl Jam qui dure 75 minutes, ou qui commence avec un Eddie Vedder essoufflé : le morceau choisi comme ouverture du disque a en fait été joué en plein milieu d'un concert de fin de tournée, à Werchter en 2010.
Voilà. Maintenant, on peut se concentrer sur l'album, imparfait mais phénoménal témoignage de la puissance, de l'énergie, et de la passion de Pearl Jam en concert. Animal, Porch, State of Love and Trust, Rearviewmirror sont autant de monstres rock 'n roll intemporels, exécutés, comme à chaque fois, comme s'il s'agissait de la dernière. Le groupe joue comme une mécanique très bien huilée : Jeff Ament et Matt Cameron donnent le rythme, Stone Gossard offre des riffs légendaires et des soli précis, alors que Mike McCready fait plus qu'honneur à ses idoles ses idoles Hendrix, Vaughan et compagnie. Eddie Vedder, quant à lui, est Eddie Vedder. Malgré tout, on n'a jamais l'impression que Pearl Jam est en pilote automatique : on ne le remarque pas sur cet album, mais deux mêmes morceaux ne sont jamais joués à l'identique. Even Flow, notamment, bénéficie toujours d'un solo de McCready, souvent improvisé, toujours différent. Beat that, Kirk Hammett.
Malheureusement, l'essence même de la compilation crée des baisses de régime. On pourrait toutefois dire qu'un concert de plus de deux heures doit aussi comporter ses baisses de niveau. Certes, mais elles sont sans doute moins évidentes qu'ici, où les morceaux de Backspacer (surtout Unthought Known et Just Breathe) peinent à soutenir la comparaison. I Am Mine et Nothing as It Seems, rarement joués en concert, sont d'excellentes "surprises", tout comme le subtil In Hiding. On peut toutefois s'étonner de la relative mollesse de Spin the Black Circle, qui semble presque joué au ralenti. L'album se conclut avec une triade (de vingt ans d'âge) qui elle, pourrait se retrouver telle quelle en concert : Porch, Alive, et le classique final, Tellow Ledbetter. A ce moment-là, après les dernières notes du dernier solo de McCready, on peut enfin imaginer qu'on est vraiment à un concert de Pearl Jam. Dommage que ce sentiment n'est pas présent tout au long de l'album.
Un fan de Pearl Jam (inutile de déguiser la vérité, Pearl Jam est sans doute mon groupe phare de ces quinze dernières années, et celui que j'aurai vu le plus souvent - douze fois - en concert) aura maintes raisons d'être déçu de cet album, mais il aura, nécessairement, accès à des dizaines de concerts complets et de tonnes d'autres morceaux tout aussi indispensables (ne citons que Long Road, Release, Why Go, Leash, Immortality, Faithful, ou encore les reprises Baba O'Riley ou Rockin' in a Free World), ce qui n'est pas le cas de tout le monde. L'utilité de LOXL est peut-être d'introduire une nouvelle génération de fans à Pearl Jam, ceux qui n'achètent peut-être plus de musique, mais qui vont plus souvent aux concerts, et qui savent distinguer un grand groupe de scène d'un honnête groupe de studio. Et même si je n'écouterai sans doute plus cet album, il reste impressionnant, et doit être une porte d'entrée vers le monde fascinant d'un des meilleurs groupes que le rock ait engendré. Depuis vingt ans, et c'est bien loin d'être fini.
Spotify : Pearl Jam - Live on Ten Legs
Nothing as it Seems :
The Joy Formidable – The Big Roar
Nous vivons, ici, maintenant, une période cruciale dans l'évolution du rock. Une fois de plus, on annonce sa mort. Et une fois de plus, une kyrielle de magazines et webzines vont sauter sur l'occasion pour prouver le contraire, comme en 1991 (avant Smells Lile Teen Spirit) ou en 2001 (avant Is This It). Récupération commerciale, certes, mais qui a un gros avantage : faire sortir de l'ombre des groupes qui font une musique "à guitares" pouvant maintenant faire la couverture du NME (et la frontpage de Pitchfork). J'en ai d'ailleurs fait, presque par hasard, un thème récurrent sur le Tumblr de Music Box. Bien qu'il soit toujours très délicat de prédire le succès d'un groupe (quand j'ai vu Matthew Bellamy, avec 200 personnes, se cacher derrière le micro de l'Orangerie du Botanique bruxellois, je n'imaginais pas ce qui allait se passer quelques années plus tard), si je devais miser un euro sur un gros succès futur, ce serait sur The Joy Formidable. Bien que leur premier album, The Big Roar, soit bien meilleur que Showbiz ou Parachutes.
Même si leur son est énorme, TJF ne compte que trois membres, un power trio tout ce qui a de plus classique, emmené par la chanteuse/guitariste Ritzy Bryan. Comment arrivent-ils à sonner comme si My Bloody Valentine écrivait pour Nirvana (ou le contraire) reste un mystère, mais on n'a pas spécialement envie de l'élucider. Pour un premier album, The Big Roar est étonnant. Autant à l'aise dans les morceaux longs et sinueux (l'initial The Everchanging Spectrum of a Lie) que dans le post-grunge furieux de The Magnifying Glass, TJF écrit aussi des mélodies somptueuses, des refrains entêtants et des passages instrumentaux totalement maîtrisés, notamment grâce à une section rythmique qui permet à la voix de Bryan de respirer. Oh, et le batteur sonne comme Dave Grohl. La voix, donc. La voix de Ritzy Bryan, parfois angélique (hello, Kim Deal et Tanya Donnelly), parfois inquiétante, lorsqu'elle détache chaque syllabe (A Heavy Abacus), mais toujours accrocheuse, sans jamais être irritante (ce ne sera donc pas les nouveaux Muse).
On a donc beaucoup comparé le groupe à Nirvana, ce qui n'est pas trop faux, mais pas non plus très représentatif. Par contre, ils semblent hériter de My Bloody Valentine le sens inné du bruit comme atout artistique. Sans jamais arriver dans dans l'excès, ils aiment envelopper leurs mélodies de murs de guitares puissantes, envoûtantes et ensorcelantes, comme on peut l'entendre dans le coda de Whirring, final de concert rêvé, sans être la section holocauste de Shields et Butler. Chaque morceau pourrait être un hit, du gimmick immédiat de Austere à l'Arcade Fire I Don't Want to See You Like This, en passant par le refrain invraisemblable de A Heady Abacus : vous vous imaginez, dans une plaine de festival, à scander le mot "abacus", vous? On le fera, pourtant.
La première moitié de l'album est une superposition de hits comme on a rarement entendu dans un premier album. Definitely Maybe, Is This It, Whatever People Say I Am That's What I'm Not? Ouaip, The Big Roar est de ce genre-là, en plus fort, plus ambitieux, plus original, plus varié. Whirring conclut la face A, une pop song parfaite engluée dans un mur de son délicieusement noisy, avant de se transformer en monstre prodigieux de puissance sonore, allant même jusqu'à incorporer des beats death metal. Vraiment, vraiment impressionnant.
La seconde moitié fait un peu retomber la pression, et accorde un peu plus de place à l'expérimentation, comme l'intro très The XX de Buoy, qui laisse toutefois place à une guitare fuzz plus familière, alors la voix de Bryan se retrouve assez peu mise en avant dans le mix. Plus discrète que la face A, cette partie du disque n'est pas inférieure pour autant : Chapter 2 est leur morceau le plus... Nirvanesque, allez, alors que Llaw=Wall offre au bassiste Rhydian Dafydd (oui, ils sont gallois, mais si j'en avais parlé, j'aurais été obligé de dire qu'ils étaient les nouveaux Manics) l'occasion de pousser la vocalise tout à fait décemment. Mais ils ne savent sans doute pas (et tant mieux) s'empêcher d'écrire des tubes en puissance : Cradle (ce que Bryan fait vocalement sur ce morceau prouve qu'elle est une mégastar en puissance) et le final The Greatest Light is the Greatest Shade sont facilement l'égal de n'importe quel morceau trouvé plus tôt sur l'album.
Il faut vraiment chercher loin pour trouver des faiblesses à un album forcément imparfait, mais tellement enthousiaste et novateur, intéressant et simplement excellent qu'il serait idiot de s'y attarder. On ne sait pas si The Joy Formidable connaîtra effectivement la carrière de groupe de stade que d'aucuns promettent. On ne sait pas non plus s'ils vont sauver le rock 'n roll. On sait juste que le rock 'n roll n'a pas besoin d'être sauvé, et que The Joy Formidable a sorti un des meilleurs albums de 2011, sans le moindre doute.
Spotify : The Joy Formidable - The Big Roar
Ash – A-Z Volume 2
Ash a donc terminé l'expérience A-Z, à savoir sortir un nouveau single toutes les deux semaines pendant un an. Les vinyls se sont vendus comme des petits pains, et il semble que l'opération fut un relatif succès commercial. Ce Volume 2 est donc la seconde compilation, reprenant les treize morceaux singles et trois morceaux bonus, histoire de ne pas flouer les fans, et les pousser à la consommation quand même.
Qu'en penser? Forcément, sortir un morceau tous les quinze jours n'est pas nécessairement une garantie de qualité. En gros, on peut sortir plus ou moins n'importe quoi, surtout qu'ils ne se sont pas arrêté à 26 : pour éviter/limiter le piratage, le groupe a envoyé à leurs abonnés une dizaine de morceaux supplémentaires, et quand on ajoute à tout cela les morceaux bonus des deux compiles, et les éditions japonaises, on arrive carrément à un grand total de 48 morceaux, presque un par semaine, donc.
Pourtant, la qualité est bien souvent au rendez-vous. Ash aura réussi, avec ce projet, à casser leur image de groupe à deux morceaux : la ballade à briquets (ok, iPhones) et le poppunk légèrement furieux. Ils ont rajouté le morceau électro. Ok, je suis un peu vache : même si l'ossature du trio est toujours basé sur cette dynamique quiet/loud, leur palette a été un peu élargie, comme on peut l'entendre, notamment, sur l'instrumental de dix minutes Sky Burial. Sortir les morceaux individuellement à permis au groupe de se lâcher, et ne pas réaliser d'album vaguement thématique comme auparavant. Ce qui fait que la compile est assez incohérente, si on l'écoute en tant qu'album, mais ce n'en est de toute façon pas un. Rien n'est véritablement à jeter, il semble même que ce volume 2 soit meilleur que le premier. On retiendra surtout le riffage post-punk d'Insects, le dancy Binary, le Foo Fighters-rencontre-Queen Embers ou encore le punky Digital World, tout en regrettant les habituels défauts d'Ash, comme la propension de Tim Wheeler à faire rimer chaque ligne, ce qui est vite fatigant.
Même si je suis assez vieux jeu en restant attaché au concept d'album, il faut constater qu'Ash a mené le projet à son terme, et avec d'excellents résultats. Ash n'a pas fait de déclaration quant à leurs projets futurs, mais après avoir mené une telle initiative, il sera difficile de faire plus fort, et on peut imaginer qu'un album classique soit l'étape suivante. Ils auront en tout cas défriché le terrain pour d'autres initatives du genre. En attendant la suite, Ash a mérité de conserver son titre d'un des meilleurs single bands du rock UK, et ceci depuis de longues années.
Spotify : Ash - A-Z Volume 2
Harlem – Hippies
A voir les tops de fin d'année, on peut se poser une question : Mais où est le fun? Qu'importe les évolutions musicales, et la grande fragmentation de 2010, on aura toujours besoin de trois types qui jouent n'importe comment dans un garage des mélodies à mourir. Cette année, c'est Harlem. Leur premier album, fantastiquement appelé Hippies, est loin d'être parfait : la formule est Ramonesquement basique, et après seize morceaux commençait sérieusement à tourner en rond. De même, leur musique est bien trop fainéante pour se laisser classer quelque part : pas assez lente pour faire partie des chéris de 2010, pas assez roots pour se la jouer Black Keys, pas assez punky pour faire mal aux oreilles.
Qu'importe, Hippies comporte suffisamment de morceaux sympas pour passer un bon moment : Tila and I devrait être un tube avec une bonne production, Three Legged Dog sonne comme un slow de prom des années 60, Torture Me rappelle Nirvana même s'il est probable que les membres d'Harlem ont à peine connu Nevermind, et Someday Soon, avec son refrain qui dure trois minutes, est un de mes préférés de l'année, fun, rock, mélodique et sensiblement marrant ("Someday soon you'll be on fire / And you'll ask me for a glass of water / And I'll say no you can just let that shit burn).
Le rock 'n roll n'est évidemment pas mort, il est juste moins facile à trouver qu'avant. Pour le moment.
Spotify : Harlem - Hippies
Sleigh Bells – Treats
Gros coup de poing dans le ventre, quand même. Improbable collaboration entre une chanteuse teenpop et l'ex-guitariste de Poison the Well, Sleigh Bells frappe très fort, avec une alliance eau/feu entre gros beats, guitares hardcore et voix pop mielleuse. Derek E. Miller avait déjà produit un des rares morceaux écoutables du dernier M.I.A., et il fait ici équipe avec Alexis Krauss, dont la voix (généralement) angélique est découpée, refaçonnée, étalée en couches et généralement assez (mal)traitée.
Treats commence très fort, avec la rafale de beats AK-47 de Tell 'Em, dont l'intro sorte de mix entre l'hymne national US de Jimi Hendrix et Refuse/Resist de Sepultura, avant que Krauss ne pose une voix aussi pop que n'importe quel bête groupe teenage interchangeable. Mais il y a évidemment quelque chose derrière tout ça, derrière une alliance apparemment contre nature, et qui fonctionne pourtant très bien. Car Miller ne laisse aucune concession : les morceaux sont durs, très produits, et loin des passages évidents à la radio. Malgré tout cela, on y retrouve une veritable recherche mélodique, et une construction souvent complexe même si on ne cherche pas à être bizarre juste pour être bizarre. Guitares et voix sont accompagnés par toutes sortes d'artifices de studio, comme synthés et boîtes à rythmes, mais sauf exception, c'est la guitare qui domine comme instrument majeur. Cependant, les beats n'ont rien à envier à je ne sais quel producteur hip-hop en vogue dans notre damnée époque.
On passe de "cinglé" à "totalement dingue", comme on le remarque dans la ligne de guitare de Riot Rhythm, et la voix de Krauss qui la suit : l'art du single efficace n'est pas perdu pour tout le monde, dans le monde de l'indie US. Infinity Guitars a besoin de rilatine pour calmer ses pulsions, alors que Run the Heart, plutôt basé synthé, est une sorte de shoegaze du 21ème siècle.
Autre bonne idée : les morceaux sont courts, l'album aussi : pas le temps de s'ennuyer, ou de seulement penser que la formule commence à se répéter. Rill Rill, d'ailleurs, tente de casser le moule, en apportant une sensibilité plus pop, plus douce, avec un sample de Funkadelic, d'ailleurs. Mais l'album reste délirant de bout, comme si on avait laissé deux gosses affamés dans un magasin de jouets avec un McDonalds au sous-sol. Straight As se la joue carrément hardcore tandis que A/B Machines pousse l'expérimentation à son paroxysme, et est le genre de morceau qui, si joué en club, pourrait même presque me faire sortir. Imaginez seulement. Le morceau-titre conclut l'album, avec des gimmicks exubérants (mais c'est un peu le cas partout), des cloches de Noël (clin d'oeil à leur nom) et des effets sonore tordus.
Si on devait trouver un défaut, ce serait justement que Sleigh Bells sonne très fort comme un groupe de studio. Là où d'autres duos (ceux qui ont une couleur dans leur nom) arrivent à assurer sur scène avec peu de moyens, Miller et Krauss n'ont pas la même dynamique, et il serait fort intéressant de voir ce que ça donne sur scène. Mais même s'ils sont à chier, Treats est un des albums les plus originaux et intéressants de 2010, année fragmentée s'il en est. Ils sont aussi une mise à jour contemporaine du mariage entre sensibilité pop et musique plus dure, une sorte de Ramones du vingt-et-unième siècle. Ce qui est une très bonne chose.
Spotify : Sleigh Bells - Treats
Flattez-moi!
