Les Beastie Boys n’ont jamais rien fait comme les autres, et ils ne vont pas s’arrêter maintenant. The Mix-Up est leur premier album en trois ans, le second en dix, et ils arrivent encore à le faire entièrement instrumental. Ce qui passerait pour un caprice prétentieux de la part de n’importe quel groupe leur sera-t-il pardonné? Pas certain, en fait.Que montre The Mix-Up? Qu’outre des MCs et lyricistes impressionnants, les B-Boys sont aussi des musiciens : ils sa partagent ici les basse, guitare et batterie, leur comparse Money Mark se chargeant des claviers. Bien, mais on le savait déjà, depuis Check Your Head, précisément. Qu’ils possèdent un sens mélodique certain et un goût prononcé pour l’expérimentation complexe. Aussi, rien de nouveau. Qu’ils sont capables de sortir un album tout juste destiné à être samplé de tout les côtés, mais définitivement pas à être écouté tel quel, tout en ricanant en lisant les « journalistes professionnels » crier au génie? Voilà sans doute la plus grande réussite d’un album clairement pas mauvais, qui comprend des tonnes de bonnes idées diluées dans un style lounge-funk inintéressant au possible.Les Beastie Boys se prennent trop au sérieux ces dernières années, et le résultat s’en fait sentir. Surtout qu’ils menacent de ressortir l’album en version vocale. Qu’ils retournent plutôt en studio, faire ce qu’ils font de mieux. Et seulement à ce moment, on acceptera que The Mix-Up n’est qu’une curiosité mégalo-prétentieuse entre deux albums. Ce qui n’est pas le cas maintenant.
Ce que Billy Corgan veut, Billy Corgan finit par l’obtenir. En 2005, pour promouvoir son très médiocre album solo, il publia une pleine page dans un quotidien US, appellant les Smashing Pumpkins à se reformer, car, disait-il, il voulait retrouver ses chansons, et son groupe. Mais en guise de groupe, Corgan a toujours presque tout fait seul, les deux premiers opus étaient d’ailleurs virtuellement des albums solo. Mais reformer le groupe avec seulement 50% des membres originaux, était-ce vraiment une bonne idée?Ce n’est pas vraiment la question à se poser, tant l’importance de D’arcy Gretzky (et ensuite de Melissa Auf der Maur) et de James Iha dans la création artistique n’était limite qu’anecdotique : Corgan et le batteur Jimmy Chamberlin se suffisaient amplement. La vraie question est plutôt, après un dernier album officiel plus que moyen (MACHINA/The Machines Of God), un nouveau groupe foireux et foiré (Zwan) et le solo cité plus haut, pourquoi sortir un nouvel opus? Si ce n’est que pour l’argent, pourquoi ne pas suivre la voie Pixies, et juste jouer ce que les gens veulent? Au moins, on ne pourra pas reprocher à Corgan de se la jouer facile, si?Eh bien si, finalement. Corgan s’est souvenu que le succès est arrivé dès qu’il a mis au point le son Pumpkins : des guitares saturées multi-trackées, une section rythmique assommante, une voix plaintive tantôt hurlante tantôt douce, et une tendance certaine à la prétention générale. C’est donc tout naturellement ce qu’il a voulu faire ici : la moitié de l’album est calquée sur la lourdeur (pas nécessairement un terme péjoratif) de Bullet With Butterfly Wings ou Zero, tandis que l’autre va plutôt voir du côté de Tonight Tonight et des ballades. Malheureusement, rien ici n’arrive à toucher, de près ou de loin, la grandeur passée.Les morceaux heavy sont très, très heavy : de prime abord, on n’entend que la basse, puis les différentes couches de guitares, qui s’empilent les unes sur les autres, avant que la percussion de Chamberlin ne finisse de créer un terrible mur du son, plus entendu depuis… Siamese Dream, évidemment. Alors, même si on perd le caractère rassembleur de Today ou le riff monstrueux de Cherub Rock, on se laisse prendre au jeu : ce n’est pas si mal, même si les voix de Corgan semblent enregistrées depuis sa baignoire. Voix qui prennent souvent un caractère multiple, sans doute l’effet Roy Thomas Baker : co-producteur de l’album, son heure de gloire reste A Night At The Opera, de Queen. Efficace, certes, original (malgré tout, il n’y a que les Pumpkins pour faire cela), mais assez vite lassant. Surtout que les ballades sont assez mal fagotées, et pâtissent de paroles ridicules, d’effets sonores cheap et d’une prétention à toute épreuve. Le dernier morceau va même jusqu’à s’appeler, sans une once d’auto-parodie, Pomp and Circumstances, et sa guitare singe cette vieille branche cassée de Brian May.Sortent du lot les morceaux hard, donc, Doomsday Clock, Seven Shades Of Black et le single parfait en soi Tarantula, mais aussi l’assez extraordinaire United States, neuf minutes dont sept inutiles, où Corgan et Chamberlin font du bruit accompagné de paroles inénarrables : « I wanna fight I wanna fight / Revoluuuuuuuuuuuution tonight / … Let me do something good ». On a une idée, là-dessus : stopper le solo de batterie. On laissera de côté le reste, sauf pour rire un peu, et se souvenir d’un temps plus clément.Le comeback des Smashing Pumpkins sera sans doute réussi : après tout, l’album est sorti (allô, Axl?), et n’est pas foncièrement mauvais : juste dérivatif, au mieux, ou médiocre et peu inspiré, au pire. Il n’empêche qu’il ne sert à rien, que son titre est assez arnaque, que Corgan n’a absolument plus rien à dire et que Zeitgeist rejoint un catalogue qui commence à comprendre plus de moyen que de bon. Mais quand ils étaient bons, il étaient quand même vraiment excellents.
On en a déjà parlé maintes fois, les supergroupes, ça ne marche pas très souvent. On se souvient d’Audioslave, 3/4 Rage Against The Machine + Chris Cornell, et le retentissant échec qui en a découlé, ou le premier album de Velvet Revolver, trop mou dans l’ensemble. On est donc assez sceptique, surtout quand on sait que Libertad a été retardé maintes fois. Pour rappel, VR, c’est surtout trois ex-Guns ‘N Roses (ce qui fait de VR un groupe avec plus de membres de GNR que le GNR actuel) et Scott Weiland, imprévisible ex-frontman de Stone Temple Pilots. Pourtant, alors que j’étais prêt à consacrer autant de temps à cet album qu’au solo de Cornell (pas grand chose, donc), j’ai été vraiment plaisamment surpris, et ça n’arrive plus souvent.Forcément, il ne faut pas s’attendre à un album qui va régler le réchauffement climatique, ce n’est pas le but. Mais Slash n’avait plus été aussi incisif dans ses riffs depuis longtemps, et Weiland, même si sa vie privée est toujours aussi chaotique (sans compter qu’il va finir par disparaïtre à force de maigrir) chante très juste, et semble nettement plus concentré que ces dernières années. Libertad semble le produit d’un vrai groupe, pas d’une somme d’individualités (ce qu’Audioslave n’a jamais été capable de faire), et un groupe qui joue avec plaisir donne du plaisir à ceux qui écoutent.Les premiers morceaux de l’album sont simples, emmenés par un riff mémorable et sautillant, rien de novateur, mais on n’avait plus entendu ce genre de musique depuis longtemps, non plus : VR joue clairement la carte de la nostalgie. Et à quoi bon faire autre chose, autant faire ce qu’on fait bien, même si le tout semble ancré dans les années 90. Le gros défaut de Contraband était son trop plein de ballades, pas ici : non seulement, il y en a moins, mais en plus elles sont tout à fait acceptables, et pas mielleuses (j’ai le clip de November Rain dans la tête, là). Bon, la reprise d’ELO (Can’t Get It Out Of My Head) fait un peu limite, dans le genre musique de croisière, mais c’est vrai que ça colle bien dans le thème années 90.La surprise agréable continue au fur et à mesure qu’on avance dans l’album, on était en droit de s’attendre à un milieu mou, mais même si American Man rappelle parfois cette vieille branche cassée de Lenny Kravitz, cela reste très bon, Mary Mary est automatiquement retenu par le subconscient, en grande partie grâce à Scott Weiland : c’est vraiment un plaisir de l’entendre de nouveau en forme. Les musiciens sont aussi très solides, et Slash n’exagère jamais au niveau solo, se mettant au service du groupe.On parlera peut-être de Libertad comme le nouveau STP, et c’est vrai qu’il y a clairement des similitudes. Mais ce qui les plus impressionnant, c’est qu’il est un des meilleurs abums auxquels Slash et Scott Weiland ont participé. Et il y en a eu quelques uns. Enfin, tout album se terminant avec un morceau country caché mérite reconnaissance.
Rien ne ressemble moins à un album de Queens Of The Stone Age que leur album suivant, et Era Vulgaris ne dément pas la tendance. Alors que le lineup continue à changer – Josh Homme est le seul présent depuis le début – la musique évolue, prend des tours étonnants, et parfois, rappelle même le groupe précédent de Homme, Kyuss. C’est clairement leur album le plus varié, et leur moins « rock » (si rock = guitares qui font du bruit).
On le remarque dès le début, avec le psycho-bizarre Turning On The Screw, qui voit Josh varier sa façon de chanter, est-ce que Mark Lanegan lui a donné quelques cours? Sick Sick Sick reprend les choses en main, avec un riff définitivement stoner et destructeur, mais toujours un certain sentiment de nouveauté : Julian Casablancas, des Strokes, vient prêter sa voix (et son Casio) à un excellent morceau, comme le groupe égrène à longueur d’années. Les deux morceaux suivants complètent la première impression, le groupe est partout, dans tous les genres ou styles.
À chaque fois que le groupe surprend, il revient en territoire plus familier, avec ce Misfit Love graisseux, où Josh décide de chanter « comme d’habitude », si on veut. Mais le tout semble toujours assez léger, finalement plus proche d’Eagles Of Death Metal que de Songs For The Deaf, comme le confirme Make It With Chu, ressorti des Desert Sessions mais malheureusement réenregistré sans PJ Harvey.
Puis, bam, 3s and 7s arrive, et une intro pompée avec classe sur Smells Like Teen Spirit alors que Suture Up Your Future confirme le caractère prog de l’album, oui, prog. M’en vais réecouter Kyuss, moi… L’album se clôture sur l’assez cinglé Run Pig Run, alors que la plus gros défaut de l’album ne se fera connaître qu’après. En effet, selon les régions, l’album comprend différentes bonus tracks, dont deux auraient largement trouvé leur place sur l’album : The Fun Machine Took A Shit And Died, qui aurait pu carrément être le meilleur ici, et Era Vulgaris, collaboration excellente avec… Trent Reznor. Qui a eu l’idée de virer les morceaux de l’album, aucune idée.
Plus varié, moins rentre-dedans, voire carrément étrange, Era Vulgaris est un nouvel excellent album d’un excellent groupe, qui continue à défier et rédéfinir les limites du rock, et avec un brio rarement égalé. Malheureusement, on comparera toujours les albums à Songs For The Deaf, ce qui sera sans doute toujours ingrat et injuste.
