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Octobre 2013

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2013 est maintenant presque terminé, en terme de sorties de nouveaux albums. Il ne reste plus que les éditions spéciales et compiles de Noël (Bowie, Beatles et quatre millions d’autres) et des artistes en perte de vitesse qui sortent après les autres histoire de minimiser la concurrence (Lady Gaga). Mais c’est peut-être en octobre qu’est sorti l’album de l’année, ou en tout cas celui dont parle le plus (avec Yeezus, allez). Et c’est sans problème mon album du mois.

ReflektorParce qu’il était très attendu, Reflektor, et annoncé par une campagne marketing roots et efficace. Arcade Fire est le plus gros groupe indé du monde, même s’il n’est pas stupide de dire qu’ils n’arriveront peut-être jamais à dépasser l’impact émotionnel de leur début, Funeral. Alors qu’il aurait été plus simple de se répéter, les montréalais ont engagé le leader de leur groupe préféré, James Murphy, pour produire un album radicalement différent. Reflektor est long (85 minutes, des morceaux dépassant allègrement les six), ambitieux (double album en deux parties thématiques) et terriblement varié, alliant du rock indé relativement classique à des influences haïtiennes (second pays du groupe) en passant par des références littéraires (Orphée et Eurydice) illustrant les thèmes chéris par le groupe comme la perte de l’innocence, l’enfance, l’évolution vers l’âge adulte, la mort. Il faudra sans doute des mois pour décrypter Reflektor, mais est-ce bien nécessaire?

Octobre a aussi vu la sortie du dixième album de Pearl Jam, qui succède au lamentable Backspacer. L’avantage de succéder à un album oubliable, c’est qu’il n’est pas bien difficile de faire mieux. Lightning Bolt est meilleur que Backspacer, mais il est peut-être aussi le meilleur album du groupe en dix ans. Malheureusement, il reste très frustrant : à côté de morceaux intéressants comme Infallible, Pendulum, le vitriolique My Father’s Son ou le déjà classique Sirens, Pearl Jam (ou le producteur Brendan O’Brien, qui devrait subir le même sort que Jaime Lannister un de ces jours) a jugé bon d’inclure Sleeping By Myself, déjà anecdotique sur l’album solo d’Eddie Vedder (lui-même anecdotique, pour être honnête) et présent ici en version navrante ou Future Days, qui a au moins l’avantage en tant que dernier morceau de l’album d’être facilement oublié. Frustrant, donc, surtout que les fans connaissent l’existence d’excellents morceaux (Of the Earth, Cold Confession notamment) qui semblent avoir été oubliés par le groupe. Occasion à moitié loupée, donc.

On a eu très peur pour Lemmy, qui a connu pas mal de problèmes de santé cette année, mettant à mal l’évidence de son immortalité. 2012 était la première année paire depuis 1994 à ne pas voir d’album de Motörhead, mais la patience est récompensée : Aftershock est un très bon album (bien que le niveau du trio est ahurissant depuis des années), plus varié que ce que l’on pense (à tort!) du groupe. Si Aftershock venait (mais ce ne sera pas le cas) à être le dernier album de Lemmy, on a connu bien pire épitaphe.

Pour le reste, octobre est un melting pot de sorties diverses et variées. Après moultes tentatives (toutes foirées) d’accrocher un semblant de renouveau, Korn joue son avant-dernière carte et fait revenir le guitariste Head, parti rejoindre Jésus voici une dizaine d’années. Pour être tout à fait correct, Korn a déjà fait pire que The Paradigm Shift, mais il ne leur reste plus qu’une seule solution pour accrocher l’attention : se séparer et revenir cinq ans plus tard. Ce que n’a jamais eu besoin de faire un certain Paul McCartney, probable meilleur compositeur de l’histoire de la composition. New a été confié à quelques producteurs « modernes » (Ronson, Johns, Epworth et Giles Martin) qui réussissent à garder son inimitable son, le mettre à jour sans le ridiculiser. Une vraie bonne surprise.

Deux groupes cultes, plus ou moins gallois, et avec une attention particulière aux paroles pour suivre : Los Campesinos! et Future of the Left. On pourrait tellement comparer Los Campesinos! aux Smiths pour plein de raisons,  comme les paroles (évidemment) et leur audience fantastiquement fanatique. Mais ce serait complètement passer à côté de l’attrait de la musique du groupe, délicieusement mélancolique, recherchée, douloureuse, rassurante, glorieuse (No Blues). Quant à Future of the Left, maintenant qu’ils ont un album de plus que Mclusky, il faudrait peut-être arrêter d’en parler à chaque fois. Oops. Financé par Pledge Music, How to Stop Your Brain in an Accident est ce qu’on peut attendre de la bande à Andy Falkous, maintenant fermement un quatuor. Abrasif tant au niveau de la musique que des paroles, l’album se permet toutefois quelques excursions réussies vers une certaine idée de la musique pop (Falco chante!). Un EP 6 titres d’outtakes intéressantes, Human Death, sort en parallèle.

Sleigh Bells tente une seconde fois de nous faire croire que leur date d’expiration n’est pas dépassée depuis longtemps, mais on n’est pas dupe. Derek Miller lève un peu la main sur la production, légèrement moins bourrine qu’avant et nous dit qu’Alexis Krauss a beaucoup participé à l’écriture. Mais si l’on considère que l’album (Bitter Rivals) est constitué de morceaux de 3 minutes maximum qui deviennent emmerdants après 40 secondes, ce n’est pas suffisant, malgré les tentatives de sonner comme Beyoncé.

Plus intéressant, The Dismemberment Plan nous revient pour de bon, avec leur premier album en douze ans. Beaucoup de choses se sont produites depuis, notamment 4 tonnes de groupes influencés par Travis Morrison & co. Uncanney Valley arrive sans faire trop de bruit, et repart de la même manière. Agréable et divertissant, en espérant que c’était leur but. Cage the Elephant est annoncé comme « the next big thing » depuis quelques années, et il est possible que Melophobia soit l’album qui les fasse exploser (tout comme une tournée prochaine avec Muse). Mais je n’y connais rien à ces trucs, je trouve juste que leur son est sympa sans plus : à force d’emprunter un peu partout, on se retrouve avec peu d’identité. Poliça s’est bien détaché de l’étiquette Bon Iver (Justin Vernon vient dire bonjour sur un morceau, quand même) et sort un album d’indé-électro (Shulamith) bien réalisé mais peut-être un peu fatigant. Mais une fois de plus, qu’est-ce que j’en sais, j’ai bien aimé le dernier album d’Electric Six, Mustang, qui ressemble à un album d’Electric Six. Et j’ai bien aimé aussi Corsicana Lemonade, le nouvel album tout à fait recommandable de White Denim, qui tape un peu dans tous les sens, comme une sorte de version mathy de Soundgarden qui jouerait du classic rock.

Dans la catégorie EP, on notera avant tout Best Coast, qui revient brillamment à la fuzzpop du premier album avec la voix de Bethany qui a bien progressé depuis (Fade Away) mais aussi Albert Hammond Jr., dont AHJ ressemble plus au son Strokes que tout ce qu’ils ont sorti en dix ans. Toujours en EP, les comiques de Fall Out Boy se la jouent Black Flag sous la direction de Ryan Adams (Pax-Am Days), alors que le duo TheHELL (Atom Willard et Matt Skiba) fait nettement mieux avec le brut Southern Medicine. Parquet Courts confirment qu’ils sont bien la réincarnation de Pavement joué par les Beastie Boys (Tally All The Things You Broke), The Men continuent leur évolution de plus en plus loin du hardcore quasi instrumental de leurs débuts avec un EP qui porte très bien son titre (Campfire Songs) alors que Stone Temple Pilots récupèrent un chanteur fiable (Chester Bennington) mais n’arriveront jamais à sortir de la division 3 du rock indé dans laquelle ils végètent depuis toujours (High Rise).

Voilà pour octobre, il est probable que novembre et décembre soient balancés en même temps, juste avant le récapitulatif de 2013.

Playlist Spotify ci-dessous!

Music Box

Korn – III : Remember Who You Are

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Ils n’ont pas de chance, Korn. On ne compte plus les groupes des années 90 qui se reforment, et qui finissent même pas avoir plus de succès que dans leur première vie, Faith No More étant un excellent exemple. Korn, eux, n’ont pas eu le bon goût de s’arrêter, quelque part entre Issues (1999) et le départ du guitariste Brian « Head » Welch (2004). S’ils l’avaient fait à l’époque, ils auraient pu se reformer, faire une tournée triomphale, des têtes d’affiche de festival, et un nouvel album revigoré. Au lieu de cela, on aura eu quatre albums certes non dénués de qualité, mais généralement décevants, entre « réinvention » (des synthés partout) et « retour aux sources » (moins de synthés mais pas de bonnes chansons). Bref, Korn devenait embarrassant, malgré les services rendus à la musique rock des nineties.

Probablement conscients de tout cela, le groupe a décidé d’effectuer un switch radical pour leur neuvième album. Ils ont engagé Ray Luzier comme batteur full time après l’expérience avortée Terry Bozzio qui fit suite au départ du fondateur David Silveria, ont pris leur temps (plus de trois ans depuis le dernier album, un record) et surtout, ils ose sont offert les services de Ross Robinson, qui fut le producteur des premiers albums de neo-metal (Korn, Deftones, Limp Bizkit, Slipknot). Tout ça pour tenter de retrouver leur gloire d’antan, ce qui s’exprime dans le titre de l’album, le « III » explicant qu’il s’agit de leur troisième album « brut », après Korn et Life Is Peachy, avant la starification et les Ferrari explosées.

On pouvait facilement le prédire, cela n’a pas vraiment marché. Oh, on ne pourra pas dire qu’ils n’auront pas essayé. Contrairement aux précédents albums, III est très peu produit : pas de synthés, pas de sons bizarres, juste les musiciens et la seule voix de Jonathan Davis, sur une seule piste, et non trafiquée. Ross Robinson a réussi à faire sortir le groupede sa zone de confort, et à de ce fait produit un album brut, qu’on n’attendait plus de Korn. Malheureusement, ce concept a mis le groupe à nu : sans aucun artifice, il fallait juste assurer, et les morceaux ne suivent pas. En gros, on a l’impression d’entendre onze fois la même chose, riffs sales désaccordés, gros groove hiphop du bassiste Fieldy et voix mi-rageuse mi-plaintive de Jon Davis.

Le single Oildale sort du lot, tout comme les riffs très méchants de Pop a Pill et Are You Ready To Live, mais le tout est généralement plombé par Davis, qui est encore plus insupportable que d’habitude, avec des pleurnicheries infinies du genre « are you ready to live, are you ready to die », etc etc… Davis ne sait clairement plus hurler comme avant, et vu que Robinson a banni Pro-tools du studio, il a bien fallu que le Robert Smith du metal (pour le double menton) trouve une manière de chanter pas trop faux, donc il se plaint. Leave me alone, et tout ça.

Toutefois, comme concept, c’est très courageux. Il est rare d’entendre un album si réel, surtout de la part d’un groupe tant associé à la surproduction. Oui, Davis chante souvent à côté de la plaque, mais combien de vocalistes de grands groupes le feraient aussi, sans les habituels artifices de production? La guitare de Munky est aussi fort limitée, même s’il tente de trouver d’autres chemins, via des passages mélodiques et même une sorte de solo de guitare, ce qui confirme une fois de plus que le vrai talent de compositeur, c’était Head qui l’avait (et qu’il a méchamment perdu depuis, d’ailleurs). Cependant, le courage ne fait pas tout, et Remember Who You Are n’est pas un bon album du tout, et, malgré l’attente due au retour de Robinson, on se met presque à regretter le Korn ambitieux, qui ne trouvait pas son chemin, mais au moins le cherchait. Ici, on est face à un groupe qui, malgré un album pas mauvais en soi, vient de brûler sa dernière cartouche, et qui n’a vraiment plus aucun avenir. Dommage qu’ils ne s’en soient pas rendu compte plus tôt.

Blip.fm : Pop a Pill, Are You Ready To Live, Let The Guilt Go

Spotify : Korn III : Remember Who You Are

Music Box

Korn – Untitled

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Depuis le temps que j’écris sur ce site, j’ai déjà parlé de Korn à maintes reprises, vu leur rythme assez rapproché de sorties. Inutile donc de reparler de leur évolution, et de leur envie constante de se séparer du passé, en tentant d’ouvrir de nouveaux chemins inexplorés, avec plus ou moins de réussite. Les derniers temps ont été durs, avec le départ public du guitariste Head, un Unplugged raté, et, pour les sessions de cet album, les abandons successifs du batteur Terry Bozzio (remplaçant momentanément David Silveria) et des producteurs/compositeurs The Matrix.

On ne s’attendait pas vraiment à grand chose concernant cet album, qui n’a pas de titre (comme leur premier), et qui est quand même leur huitième. Disons le tout de go : il n’est pas aussi mauvais qu’on aurait pu le croire, mais il prouve que les diverses expérimentations du groupe, aussi courageuses soient-elles, ne sont pas franchement convaincantes. Comme pour See You On The Other Side, Korn reprend à son compte des rythmes instrumentaux proches de Trent Reznor, mais place encore plus la guitare en retrait, tout en ajoutant un clavier full time.

Clavier qui domine l’intro de l’album, qui semblerait avoir été écrite pour un film imaginaire de Rob Zombie, qui se passerait dans une fête foraine et où des zombies nains terroriseraient l’armée de l’antéchrist. Ou quelque chose comme ça. Standing Over est ensuite un bon exemple du « nouveau » Korn, tout en atmosphères lourdes, effets electro (plus discrets qu’auparavant), et un Jonathan Davis chantant bien plus qu’avant. Il chante assez juste, même si on regrette parfois ses bizarreries vocales, et aussi le fait qu’on comprend ce qu’il raconte, ce qui n’est pas toujours une bonne chose. Head en prend plein dans la tronche, accusé (sans doute avec raison) de gagner du fric facile sur le dos du groupe, grâce à un livre récent. On veut bien laisser passer, même si un ou deux morceaux à ce sujet auraient été suffisants. Aussi, appeler une chanson Bitch We Got A Problem, c’est trop. Même si la ligne de basse très groove est assez chouette. C’est sans doute le gros défaut de, euh, Untitled. Pas mal d’idées, certaines très bonnes, mais mal arrangées. Les refrains sont souvent grandiloquants, élevés pas un Davis multi-tracké. Korn ne vendra plus jamais autant d’albums qu’avant, ce n’est pas vraiment la peine d’essayer. De même, les passages pop sont presques indécents, même s’ils sont nettement moins nombreux que sur SYOTOS.

L’album est, comme prévu, très varié : on passera le médiocre single Evolution pour s’arrêter à Kiss, dont le mellotron fait évidemment penser à Strawberry Fields Forever, ce qui est quand même censé être hors de propos. Les tâtonnements d’Untouchables semblent enfin aboutir. De même, Ever Be se termine sur un final énorme, batterie étourdissante et claviers all over the place. Je serais même impressionné. Mais ce sont les deux morceaux suivants qui sortent du lot (Korn a toujours eu l’idée étrange de caser quelques uns de leurs meilleurs en fin de deuxième tiers, comme Predictable, Counting ou Wake Up Hate) : Innocent Bystander (guitar solo!) et l’excellent Killing, peut-être leur meilleur morceau depuis des années, et un des rares à ne pas pâtir de la production. I Will Protect You résume et termine bien l’album : clairement bien joué, il souffre d’une grosse production déplacée et d’un solo de batterie surdimensionné. Terry Bozzio n’avait clairement rien à y faire.

Untitled est plus cohérent que SYOTOS, et confirme que Korn, malgré les défauts de l’album, sont toujours capables de faire du très bon. Il reste à espérer que la prochaine orientation du groupe gardera l’ambition, mais diminuera les moyens. C’est avec pas grand chose que Korn a popularisé le nu metal, et sorti un des grands classiques des années 90. Ils ont encore un album comme celui-là dans les doigts, le tout est de le sortir.

Albums Live

Korn – Unplugged

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Dans le genre idées géniales, MTV a décidé de relancer sa célèbre série, qu’on ne présente plus. Celle-là même qui a permis à Alice In Chains, Pearl Jam et Nirvana d’enregistrer des sessions mémorables, et à Lauryn Hill de se ridiculiser totalement. Demander à Korn d’enregistrer un Unplugged, c’est un peu Damien Rice au Graspop, ou Jay-Z au festival national annuel du KKK. Mais bon, donnons-leur le bénéfice du doute, en sachant qu’ils ont un paquet de bons morceaux, et qu’on pourrait être surpris par l’inventivité des nouveaux arrangements.

Et tant qu’à faire dans la démesure, autant commencer par leur morceau le plus populaire, Blind, créateur de moshpit par excellence, ici arrangé en version flamenco. Jonathan Davis, le chanteur très habité, à l’habitude de chanter ses morceaux d’une manière assez particulière, qui leur convient très bien. Ici, il doit bien chanter, et on entend que des années d’excès n’ont pas fait beaucoup de bien à sa voix. Au moins, il essaie, mais le problème, c’est que le naturel revient bien vite au galop, et Davis se remet à hurler (avec un peu de retenue, quand même). Ce qui fait qu’on se retrouve devant le Korn qu’on connait, mais avec des guitares acoustiques et un piano. Pas bien. Même chose pour le choix des morceaux, qui reprend les plus gros hits du groupe, sans penser que leur traduction acoustique serait impossible. S’inspirer de Nirvana aurait été la bonne voie.

Encore moins bien, est la reprise de Creep (de Radiohead, hein, pas des Stone Temple Pilots). On se rend bien compte que le thème du morceau colle bien avec Jon « Caliméro » Davis, mais quand même, on l’a trop entendue et elle est impossible à reprendre correctement. Les surprises ne s’arrêtent as là, puisque Amy Lee, des très dispensables Evanescence vient pousser la chansonnette sur Freak On A Leash.

L’album se sauve de la poubelle vers la fin, quand Robert Smith et ses joyeux lurons viennent reprendre In Between Days, sandwichée avec Make Me Bad, avant qu’il ne se termine avec Throw Me Away, ou les percussions japonaises viennent apporter une nouvelle dimension bienvenue. Mais c’est déjà fini. L’album dure 44 minutes pour 11 morceaux, alors que 14 avaient été enregistrés. Il apparaît donc que 3 morceaux n’étaient même pas assez bons pour figurer sur le disque, qui restera à jamais classé comme mauvaise idée. Ceci dit, Korn reste un des groupes heavy les plus inventifs, et le prochain album (qui sort en juin) sera sans doute fort intéressant. Plus que ceci.

Music Box

Korn – See You On The Other Side

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Korn continue à sortir des albums avec une impressionnante régularité, mais l’enregistrement de See You On The Other Side ne fut pas de tout repos. Tout d’abord, le guitariste fondateur, Brian « Head » Welch claqua la porte ; préférant la compagnie de Jésus à celle de ses amis d’enfance. On ne reviendra pas sur ses motivations, mais on regrettera tout de même les commentaires faux et déplacés faits sur son ancien groupe.

Head n’ayant pas été remplacé, il devenait évident que Munky devrait assumer entièrement la guitare, et cela a probablement contribué au changement de direction pris par le groupe. On a l’habitude que Korn évolue, c’est d’ailleurs avec le temps devenu leur marque de fabrique. Mais pour SYOTOS, tout change, ou presque. La maison de disque, les producteurs (Atticus Ross, et The Matrix, team créateur d’Avril Lavigne entre autres), jusqu’à la façon d’écrire : The Matrix a collaboré à l’écriture des morceaux, quoiqu’on ne connaît pas précisément l’ampleur de la collaboration.

Musicalement, pas mal de changements aussi : il faut carrément attendre la neuvième (!) piste pour trouver trace des fameuses guitares abrasives et accordées très bas. Les autres caractéristiques du groupe s’envolent presque : la slap-bass de Fieldy, ou le chant-aboiement de Jon Davis, qui a envolé en un chant mélodieux, tourmenté et intense.

SYOTOS est donc différent, moins metal, mais que veut-il au juste ? Le premier single Twisted Transistor est limite dansant, et l’album est en somme assez groovy, on dira groove-industriel. Car l’influence de Trent Reznor (Nine Inch Nails) n’aura jamais été aussi présente sur un album de Korn, Open Up et Throw Me Away en particulier.

L’atmosphère est aussi très importante, et pas mal de morceaux se terminent par une interlude, généralement instrumentale, et comprenant son lot de samples, de bruits bizarres (dont un guest de Darth Vader) et de cornemuse (quand même). Le groupe a été très loin dans sa recherche de renouveau, à un tel point que les morceaux qui sonnent le plus « Korn » se trouvent uniquement sur le cd bonus de l’édition limitée.

Malgré toute cette expérimentation, la touche des producteurs confère à la plupart des morceaux un étrange parfum commercial, un peu comme les singles issus de The Fragile, dont l’aspect mélodique et « vendeur » ne gâchait en rien le concept de l’album. Tearjerker finit l’album sur une note tendue et émotionnelle, avec Jon Davis chantant, je vous jure, comme George Michael.

Évidemment, on ne peut qu’applaudir l’intention, assez rare pour être soulignée. Ceci dit, passé le choc initial, on finit par se rendre compte que tout sonne assez similaire : même ton indus, même vocation radio-friendly (enfin, tout est relatif), et mêmes thèmes d’écorché vif (faut quand même pas exagérer). Semi-réussite donc, mais pour la première fois depuis leur premier album, on voit que Korn a trouvé son harmonie, jusqu’au prochain album, forcément différent.