Archives de catégorie : Chroniques

Articles, Concerts

Rock Werchter 2007 Preview

Laisser un commentaire
Werchter, le symbole de tout ce qui va mal en musique aujourd’hui. Ok, j’exagère (à peine) mais quand même : c’est quand même le festival majeur européen le plus cher quantitativement, vu qu’il n’y a que deux scènes. Qui plus est, les artistes y jouent simultanément, ce qui est quand même extrêmement stupide, comme concept. Et je ne m’attarderai même pas sur le conflit d’intêret manifeste qu’est le fait que l’organisateur de Rock Werchter est le boss de Live Nation Belgique (ou plutôt België, je suppose), le plus gros organisateur de concerts du pays (et du monde, dans sa version multinationale). On fiche des gens en prison pour moins que ça, à Charleroi.


Mais bon, du point du vue du festivalier (après avoir raqué 20€ de plus pour le camping, évidemment), Rock Werchter n’est pas pire qu’un autre festival. L’absence de zones d’ombre et d’endroit couvert, la bouffe gastro-entérisante et la bière chaude ne sont pas l’apanage de l’ex-Torhout-Werchter, qui ne va d’ailleurs pas tarder à perdre son « Rock ». Et puis, l’affiche est évidemment alléchante, du moins quand on sait connecter ses neurones. Et c’est d’ailleurs ce qu’on va faire, un itinéraire très subjectif d’une scène à l’autre, durant ces quatre jours. N’oubliez quand même pas d’arriver suffisamment tôt pour ne pas attendre douze heures pour vos tickets bouffe et boisson, je vous aurai prévenu. C’est parti, et référez-vous au programme officiel pour plus de précisions sur les horaires.



Jeudi 28 juin


Ok, je vous ai dit d’arriver assez tôt, mais les portes n’ouvrent qu’à 14h30, et le début de l’affiche pousserait plutôt à tranquillement se reposer dans la tente (si vous êtes chanceux), essayer de la monter (si vous l’êtes moins) voire faire la première d’une des nombreuses files (ben oui, fallait prévoir). Si vous êtes disponibles, allez dire bonjour à Rufus Wainwright, qui doit probablement se demander ce qu’il fait là.

Ensuite, My Chemical Romance recevra, pendant une heure, vos gobelets de pisse chaude. Les bouteilles en verre sont plus dangereuses, mais ils pourraient peut-être partir plus vite, et se la jouer encore plus emo. On imagine : « I’m not okaaaayyyy ». Si c’est le cas, allez voir Air sous la tente, histoire de faire un petit dodo. Pas la peine d’attendre Sexy Boy, vu qu’on aura Muse plus tard (comparez la ligne de basse de Plug-In Baby…).


Retour sur la main stage avec ce brave Brian Warner et son groupe de comiques déguisés : Marilyn Manson amènera son nouvel album semi-décent, et au moins sera divertissant, à défaut de chanter juste. Par contre, l’anus en gros plan, c’était il y a cinq ans. Merci d’aller assassiner Mika, tant que vous êtes sur place, au nom de la dignité humaine. Puis arrive la première mégaconnerie de l’organisation. Suivi de la seconde.


1) Qui a eu l’idée abrutie de faire jouer les Beastie Boys dans la marquee? Elle sera pleine à craquer deux heures avant. 2) Et les programmer en même temps que Björk? Allez, sans rire? Choisissez qui vous voulez, en sachant que les B-Boys sont excellents sur scène, et qu’un show de Björk est toujours spectaculaire.


Ensuite, le choix est plus simple : après 223 apparitions, Muse gagne enfin le droit d’apparaître en tête d’affiche, et même si les deux derniers albums n’arrivent pas à la cheville du stupéfiant Origin of Symmetry, leur show est extraordinaire de grandeur kitsch. Matt Bellamy, quoi qu’on en dise, est un showman hors pair doublé d’un guitariste virtuose. Mais on les verra de loin, sauf si on veut supporter les cohortes de filles de quinze ans facilement impressionnées. Y a un dj de l’autre côté, mais on s’en fout et on rentre dormir, parce que le lendemain c’est *le* jour.



Vendredi 29 juin


Je n’ai plus été à Werchter depuis quelques années (première année du retour des Pixies), et je m’étais dit que je n’y retournerais que pour voir quelque chose d’exceptionnel, et pour moi, ce sera Pearl Jam, le seul groupe pour qui je pourrais me déplacer plus qu’une fois par tournée (quatre cette année, j’y reviendrai). Mais ce n’est que la cerise sur un gâteau bien rempli, et une journée vraiment rock à une époque où le genre fait défaut à Werchter.


Là aussi, il faut faire des choix, et les laissés pour compte seront la sympathique Lily Allen et Satellite Party, nouveau groupe de Perry Farrell. Tant pis, mais la compétition est trop rude. Selon l’heure d’arrivée, qui dépend évidemment du nombre d’hollandais bourrés qui auront pris votre tente pour un gerboir (au mieux) ou un lit (au pire), on pourra jeter un coup d’oeil sur Enter Shikari, représentant anglais d’un nintendocore peu inventif, n’est pas HORSE The Band qui veut. Mais après, plus d’excuses : une heure de Kings of Leon, dont le dernier album est une merveille de rock intemporel. Il ne sont pas connus pour leur fabuleuse présence scénique, certes, mais c’est immanquable quand même.


Nettement plus que Kaiser Chiefs, dont les vulgaires hits faciles passeront mieux au bar, qui sera sans doute déserté : win-win situation. Ensuite, après la bonne humeur des gros anglais, on rigolera nettement moins avec Bloc Party. Au mieux, c’est Radiohead en 97, au pire, on va voir Lily à côté. Mais après, on se cale, et on attend l’énième passage de Queens Of The Stone Age, avec un line-up encore différent. Mais Josh Homme et sa carrure de bûcheron savent assurer : ils ne déçoivent jamais. Ensuite, Arctic Monkeys, étonnamment calés très haut sur l’affiche, mais cela est amplement mérité : les morceaux époustouflants de leurs deux albums vont littéralement écraser tout sur leur passage. Un conseil : observez bien le batteur : 21 ans et 4 bras. Seul risque : la fatigue d’une longue tournée.


Risque qui ne se produira pas avec la tête d’affiche du jour, même si c’est la dernière date de leur tournée européenne. Pearl Jam est le meilleur groupe que vous pourrez voir, sans exception, ici ou ailleurs. Je n’ai rien à ajouter, si ce n’est que le concert sera doublement exceptionnel, vu qu’il s’agira sans doute de leur dernière date européenne avant quelques années. Et ils ne joueront jamais 1h30 comme prévu.


À partir de là, les deux jours suivants sont plus mitigés, surtout l’étrange samedi.



Samedi 31 juin


Alias la journée du grand n’importe quoi. Pas la peine de faire un horaire détaillé : ceux qui vont voir The Killers, Keane ou Snow Patrol n’ont définitivement pas besoin de mes conseils, ou des conseils de qui que ce soit d’ailleurs. On sortira du lot sur la main stage : euh, personne, sauf les Chemical Brothers, mais ils peuvent être très chiants parfois. La marquee est mieux : Klaxons est un des phénomènes de 2007, et les voir live doit être assez intéressant, même si le potentiel foireux est là. Le must total reste The Good The Bad And The Queen, dernier – et excellent – projet de Damon Albarn. L’album est fantastique, et les musiciens (Tony Allen, Paul Simonon et Simon Tong) sont suffisamment expérimentés pour savoir ce qu’ils font. Le seul groupe que j’aurais voulu voir, hors du vendredi.



Dimanche 1 juillet


Comme chaque année, ou presque, on aura Metallica. Attendez-vous à plein de t-shirts avec des têtes de morts et des gros bourrins qui hurlent Metallicaaaaaaaaaa quand on leur demande si oui on non ils vont pisser parce que nous on a la vessie qui va exploser. En attendant, on aura quelques trucs sympas à se mettre sous la dent, comme les frappadingues de Mastodon (qui n’ont délicieusement rien à faire là), la pop sophistiquée de Maximo Park, l’évolution « intéressante » d’Incubus, la joie de vivre d’Interpol, les sautes d’humeurs de Tori Amos ou encore Frank Black (ou Black Francis?), accompagné pour l’occasion de Joey Santiago. Et il joue en même temps qu’Incubus…


Metallica, donc. Le type même de groupe (je vais me faire déchirer par mail) à voir une fois, parce que, hein, c’est METALLICAAAAAAA mais peut-être pas plus, parce que les morceaux sont souvent rigoureusement identiques aux versions studio, et je n’ai jamais compris l’intêret de jouer Master of Puppets (fabuleux morceau et album, je ne dirai jamais le contraire) 15481 fois, et shredder le même solo, à la note près. Mais je le répète, je suis fan de Pearl Jam, donc je suppose que je ne peux pas comprendre.


Ceci dit, entendre 50 000 personnes scander en même temps DIE DIE DIE pendant Creeping Death (et rêver qu’on est Place de la Concorde, Paris, un soir d’élection), ça vaudra toujours le déplacement. Avec un peu de bol (beaucoup, en fait), les nouveaux morceaux seront décents, et pendant Nothing Else Matters quelqu’un fera peut-être tomber son GSM flambant neuf, à force de l’agiter. 160€ pour un ticket, mais un GSM neuf ça compense. Et si METALLICAAAAAA vous emmerde, y a un groupe de reprises de Pink Floyd sous la marquee. Pas compris non plus, mais bon. Meilleur, et dernier, conseil : cassez-vous. Pour deux raisons : d’abord, les embouteillages monstrueux, ensuite, pire, bien pire : Faithless.



Conclusion


Rock Werchter, de moins en moins rock comme on l’a vu, est un grand supermarché : on trouve de tout, facilement accessible, et on peut consommer sans trop réfléchir. Il est regrettable que des artistes de niveau fort douteux prennent la place d’autres nettement plus recommendables, et il est encore plus dommage de voir que d’autres festivals en Belgique se Werchterisent : Graspop de plus en plus généraliste (j’aime bien Chris Cornell, mais quand même) et Pukkelpop de moins en moins inspiré (ils n’ont plus que les restes du festin). Werchter, quant à lui, mériterait qu’on le boycotte, plutôt deux fois qu’une, et qu’on pirate tous les artistes qui s’y produisent. Mais une de ces deux actions est plus facile à faire : on sait que si on ne va pas à Werchter, on ne reverra pas ces groupes chez nous cette année. C’est le jeu, auquel le spectateur-payeur ne peut pas participer.

Music Box

Battles – Mirrored

Laisser un commentaire
Le petit monde indie US parle de Battles comme le futur du rock, ou quelque chose comme ça. On a l’habitude, évidemment, mais cela n’empêche pas de prêter une oreille attentive : et s’ils avaient raison? Mirrored est le premier album du groupe, après deux EP expérimentaux. Il est composé de quatre musiciens connus pour leurs tendances novatrices, comme l’ex-batteur de Helmet et Tomahawk John Stanier ou le vocaliste/multi-instrumentaliste Tyondai Braxton, par ailleurs fils du jazzman avant-gardiste Anthony Braxton.

Un gros cliché : l’album ne ressemble à rien de connu, à rien de déjà entendu. Tout simplement. Il n’y a pas trop d’électro comme on l’entend habituellement, les instruments traditionnels sont joués live, mais sont ensuite reprogrammés. C’est d’autant plus impressionnant pour la batterie, souvent multi-trackée (Stanier tient des rythmes absolument époustouflants), et pour les voix, souvent déformées au point de sonner comme Roger Troutman sous hélium.

Les morceaux, généralement longs, se déroulent petit à petit, en retournant souvent vers une sorte de fil rouge mélodique, qui rentre par les oreilles et n’en sort plus. Je suppose que c’est donc techniquement pop, comme musique. Mais l’emballage est tellement bizarre, que, oui, finalement, le concept de groupe rock du futur est assez alléchant.

Il suffit d’écouter Atlas, premier extrait de l’album, pour s’en rendre compte. Le morceau est sévèrement dingue, passe par un crescendo impressionnant avant de se conclure par une sorte de résumé des six minutes précédentes. Mais on reste accroché, grâce à une recherche mélodique au moins égale à la technique mise en place. Ddiamondd est encore plus barré, riffs électriques, basse vrombissante, et voix de chimpanzé sous LSD.

Finalement, au fur et à mesure, on finit par trouver des points de repère, comme la troupe expérimentale Animal Collective, ou les différentes guises de Mike Patton, jamais le dernier quand il s’agit de faire des choses bizarres avec sa voix. Certains passages font d’ailleurs penser à l’esprit de Fantômas. Un petit bémol : le milieu de l’album se perd un peu en exercices de style, faits de ralentissements et d’accélérations techniquement parfaits mais peut-être difficiles à digérer. Heureusement, la fin reprend le niveau du début, avec les mélodies de fête foraine de Tij et l’outro Race:Out, qui conclut cet étrange mais ô combien enrichissant voyage.

L’album n’est pas parfait : le milieu de l’album est dispensable, et le groupe n’a pas encore assez d’atouts et de diversité à proposer. Mais Mirrored est d’une originalité sans bornes, et comme premier album, plein de promesses. Certainement un des albums de l’année, on verra si c’est vraiment la musique du futur. En tout cas, c’est aussi celle du présent.

Music Box

Biffy Clyro – Puzzle

Laisser un commentaire

Autant lâcher la conclusion tout de suite : Puzzle est, de loin l’album le plus accessible et le plus « commercial » de Biffy Clyro. Est-ce le moins bon? Peut-être, peut-être pas, mais cela n’a pas d’importance, comme nous allons voir.

En raccourci, Biffy Clyro est, sans ambages, un des meilleurs groupes rock contemporains, ayant influencé plus ou moins tout groupe plus ou moins metallo-avantgardo-postnimportequoi, à commencer par System of a Down, dont le double Mezmerize/Hypnotize devient tout de suite nettement moins original, quand on connaît le trio écossais. Après des débuts postgrunge intéressants, le dernier, Infinity Land, était simplement extraordinaire, d’une originalité sans faille. J’en avais parlé il y a plus de deux ans, apparemment. On pouvait légitimement se demander où le groupe allait aller, après tant de chemin vers l’inconnu. On a maintenant la réponse, et elle surprend.

Puzzle, sans être un mauvais album (loin de là) ne comprend pas de signatures modifiées constamment, des méandres de mélodies, des hurlements effrayants juste après un chant de miel. Ce qu’il comprend, ce sont des morceaux de rock alternatif, avec des vrais refrains, des guitares qui sont là où on les attend, des voix peut-être pas apaisantes, mais en tout cas presque – gasp – prêtes pour un passage radio. Et des cordes. Oui, des violons et tout, comme sur le premier morceau, Living Is A Problem Because Everything Dies. Mais on s’en fiche, en fait, parce que la nouvelle facette de Biffy est très impressionnante, comme s’ils n’avaient jamais fait que ça.

La majorité de l’album ne démentira pas ce principe, Saturday Superhouse est un des meilleurs singles (ça existe encore, des singles?) de l’année, Who’s Got A Match réussit à être (un peu) bizarre et terriblement catchy, avec quand même un passage presque hardcore. L’approche est différente, le résultat aussi, mais la qualité est là. Cela n’empêche évidemment pas la recherche et les petites trouvailles, comme la guitare qui suit les paroles (ou le contraire) de Now I’m Everyone, mais cette fois, ils ne construisent plus des morceaux entier autour de bizarreries. L’album se conclut sur l’expérimental (quand même) 9/15th, et le calme et splendide Machines.

Chaque groupe a besoin d’évolution, sous peine de devenir Oasis. Cela marche parfois bien (Arctic Monkeys, sous réserves), parfois modérément (Manic Street Preachers et la règle « un album sur deux »), parfois nettement moins (Idlewild). Dans le cas de Biffy, il ont grandi, tout en conservant la fougue et l’inventivité de leurs débuts. Ils restent, avec ces morceaux-ci ou les anciens, bien au dessus de la concurrence.

Music Box

Black Light Burns – Cruel Melody

Laisser un commentaire
Pas vraiment la peine de faire des blagues sur Limp Bizkit, leur pathétique vocaliste et leurs très mauvais derniers albums. Mais pour ceux qui ne seraient pas au courant, leurs deux premiers étaient généralement acceptables, en immense partie grâce au guitariste, Wes Borland, qui a inventé un son personnel, proche de la tendance nu-metal tout en s’en différenciant clairement. Son éclaboussait les premiers morceaux de Limp Bizkit : comme John Frusciante, Borland était bien meilleur que le groupe dans lequel il se trouvait.

Après une dispute myspacienne avec Fred Durst, Borland a (semble-t il définitivement) claqué la porte de Limp Bizkit, pour se concentrer sur un projet solo qu’il prépare depuis de nombreuses années. Tout d’abord sous le pseudo Big Dumb Face, dont l’hilarant album Duke Lion Fights The Terror valait bien une écoute ; ensuite en tant que Eat The Day. Ce dernier projet n’a jamais vu le jour, à cause du fait que Borland n’a pas pu trouver un vocaliste qui convienne. Il a donc décidé de se charger lui-même des voix, et de fonder ce nouveau projet : Black Light Burns, signé sur le nouveau label de Ross Robinson, I AM : WOLFPACK.

Mesopotamia montre d’emblée que Borland n’a plus grand chose à voir avec son ancien groupe : au contraire, il semble tirer une partie de son inspiration chez Trent Reznor, comme on le verra encore plus loin. Étrangement, la voix de Borland est aussi comparable à Reznor, ce qui rend Animal assez étonnant, on se croirait presque sur un bon morceau de With Teeth, et ailleurs, on se prend à imaginer ce que serait Nine Inch Nails avec le retour des guitares.

Les talents de guitariste de Borland sont mis en évidence, mais ce n’est nullement un album pour guitariste. Ce sont des morceaux de groupe, et ce dernier est plus que compétent : il comprend quand même Danny Lohner et l’énorme Josh Freese, qui démolit encore tout sur son passage à la batterie. On peut trouver des rapports avec Limp Bizkit, ce qui est logique, Borland ayant été leur principal compositeur. Mais les riffs et breaks nu-metal (enfin, façon de parler) sont employés à bon escient, et pas par pure ambition commerciale. Mark, par exemple, aurait pu être utilisé sur Significant Other, même si l’autre abruti aurait tout ruiné avec son rap inepte. Mais la composante electro (voir Stop A Bullet) éloigne définitivement Borland de ses anciens travaux. L’album se termine sur des morceaux plus expérimentaux, mais tout aussi intéressants, jusqu’au quasi ambient Iodine Sky.

L’album est assez dense, comme si Wes Borland voulait truffer ses morceaux de sons divers et variés, et ainsi prouver ses talents en tant que songwriter et vocaliste. C’est fait, car il semble que Cruel Melody ressemble vraiment à Borland : tourné vers le futur, sans renier le passé. Et un guitariste qui sait chanter, c’est suffisamment rare pour être souligné. Cruel Melody est donc un début encourageant, même si un tout petit peu dérivatif, d’un artiste qui a choisi la voie la plus difficile, mais en ce faisant, pourrait en trouver une, de voix.

Music Box

Marilyn Manson – Eat Me Drink Me

Laisser un commentaire

Il faut bien s’en rendre compte, depuis quelques années, Brian Warner et son freak-show sont tombés en désuétude. Des albums pas folichons, beaucoup trop de reprises pas très inspirées, on était loin du personnage controversé de l’époque Antichrist Superstar (son passage aux MTV Awards est peut-être le plus grand moment de l’histoire du show). Et voilà, sans prévenir, alors que personne ne s’y attendait, il nous envoie en pleine tronche son meilleur album depuis Mechanical Animals, il y a presque dix ans. Si pas le meilleur tout court.

Nettement plus metal, nettement plus bruyant et pourtant très mélodique, Eat Me Drink Me prend par surprise, les guitares sont puissantes, passant facilement de riffs stoner à des solos classiques, avec une grosse composante industrielle, sans doute attribuable à son compère Tim Skold (ex-KMDFM). L’album ne s’attarde pas sur le caractère gothique de l’animal, ce qui devenait, à force, fatigant ; au contraire, seuls quelques claviers et violons rappellent un passé heureusement bien éloigné.

La voix de Manson reste toujours éraillée, et ceux qui ne la supportent pas ne l’apprécieront pas plus maintenant, mais on ne peut pas dire qu’il surchante, cette fois. Il l’utilise pour créer une atmosphère, un peu comme Robert Smith, dans un autre registre, même si les références à Cure sont légion. If I Was Your Vampire est heureusement bien meilleur que son titre, Red Carpet Grave sonne comme si Slash jouait une intro des Libertines avant de remplacer Tony Iommi, et They Say That Hell’s Not Hot est simplement metal, avec un jeu de guitare impressionnant. Les refrains sont mémorables, sans être pute pour autant, ça change, et tant mieux, comme on peut le remarquer dans Evidence.

Bizarrement, le single Heart-Shaped Glasses est en marge, en tant que morceau formaté radio. C’est aussi le moins bon, certainement moins intéressant que Are You The Rabbit, où Manson continue son obsession d’Alice avec des riffs, littéralement, d’enfer. Je pourrais carrément citer tous les autres titres, ce qui est une grand première pour un opus de MM, sans remplissage. Mutilation Is The Most Sincere Form Of Flattery (bon ok les titres, c’est toujours pas ça) allie rythme implacable et mantra ‘fuck you, fuck you, fuck you too’, et étrangement, on a l’impression que Manson le pense vraiment, et semble vouloir relancer une carrière jusqu’ici en déclin. Son apparence physique est aussi moins flamboyante qu’avant, sans doute un signe de refocalisation dans la musique plutôt que l’artifice.

Je n’aurais jamais cru écrire une critique positive d’un groupe qui, même au sommet de sa gloire créatrice, ne m’a jamais impressionné plus que ça. Mais je suis vaguement impressionné par Eat Me, Drink Me, comme quoi, tout arrive.