Archives de catégorie : Retro

Chroniques d’anciens albums

AC/DC – Back In Black (1980)

ACDC_Back_in_BlackUn fait pour débuter. Back In Black est, derrière Thriller, l’album original le plus vendu de tous les temps. Et vu que l’album approche de sa fin inéluctable, il le restera. Je ne prends pas ça comme critère de qualité (le disque le plus vendu, toutes catégories confondues est le Greatest Hits des Eagles, ce qui remet les choses en perspective), mais de distribution : énormément de monde a écouté (ou en tout cas possède, ce qui est autre chose) l’album phare d’AC/DC, succès aussi énorme qu’improbable.

En 1980, AC/DC avait déjà un bon paquet de hits derrière eux, avec notamment l’album Highway To Hell, et un vocaliste exceptionnel, Bon Scott. On connaît la suite : Scott meurt, et est remplacé par Brian Johnson. Back In Black est un hommage à Bon Scott, mais beaucoup d’autres choses aussi.

L’intro mythique, pour commencer. Les cloches, simultanément hommage au chanteur mais aussi annonciatrice de chaos. Un riff, lent, lancinant, qui fait à lui tout seul qu’Angus Young a sa page dans l’encyclopédie des tous grands. AC/DC n’a jamais eu besoin de jouer fort (Iron Maiden), vite (Motörhead), ou de manière malsaine (Black Sabbath) : ils ont leur propre genre, mélange de riffs, de la voix, hmm, particulière de Brian Johnson, et les paroles plus double-entendre qu’une conversation ouija entre Freud et sa mère.

Hells Bells, le premier morceau en question est juste un riff, donc, mais quel riff. AC/DC a repris la racine du rock n roll, le blues, en y ajoutant – forcément – l’électricité et un nombre incalculable de métaphore sexuelles (You Shook Me All Night Long, Let Me Put My Love Into You (!!!) voire parfois sexistes (What You Do For Money Honey).

Mais ne reprendre que ça serait assez réducteur : au creux de l’album, un discret morceau traîne son riff monumental : Back In Black. Continuons le thème : le moment où Johnson commence à chanter est carrément un des moments les plus orgasmiques du rock ‘n roll. Et c’est bien ce qu’AC/DC a apporté : rien grand chose de complexe, ni de bien sérieux (z’avez déjà vu Angus Young?). Mais une dose maximal de plaisir et d’enthousiasme, combiné avec un sens de l’accroche inouï; et inégalé.

Oh, bien sûr, ils vivent depuis des années sur leur légende (même si on annonce un nouvel album en 2008), on parle plus de l’accessoire que de l’essentiel (les canons et les cloches, n’importe quel jeu de mot avec “balle” dedans – regardez la pochette du leur dernier dvd), mais quelle légende : AC/DC a créé, et continuera à créer, des groupes qui auront plus ou moins compris l’idéal de Angus, Malcolm, bon, Brian et les autres : rock n’ roll ain’t noise pollution. Back In Black est la référence.

Hells Bells

 

The Clash – London Calling (1979)

TheClashLondonCallingalbumcoverRéduire The Clash au mouvement punk de 76-77 serait une grave erreur. Sans aucune critique quant à leur influence respective, un morceau de Clash comporte plus d’idées que la carrière entière (courte, mais quand même) des Sex Pistols. London Calling, leur troisième album, est aussi leur plus célèbre, et le pivot de leur évolution.

Il débute par l’iconique morceau titre, un des tous grands classiques du punk et du rock en général. Mais c’est un des rares morceaux directs d’un album qui tire dans tous les sens, souvent avec une grande réussite. On connaît son rythme implacable, la voix de Joe Strummer, qui chante comme si sa vie en dépendait (une constante) et ses paroles. Personne ne défendra la working class comme lui, comme eux. Un groupe en qui on pouvait croire, notion totalement disparue de nos jours.

Musicalement, Clash s’éloigne d’un certain nihilisme prôné par d’autres formations de l’époque. Leurs racines sont clairement dans le rock ‘n roll classique (Brand New Cadillac) mais ajoutent, de manière innovatrice, beaucoup de cuivres, pavant le chemin pour un style musical toujours présent aujourd’hui (avec plus ou moins de réussite) : le ska. Rudy Can’t Fail, The Right Profile en sont d’excellents exemples. De même, on peut perçevoir des éléments reggae (Guns Of Brixton), qui iront plus tard jusqu’à constituer la majeure partie d’un (triple) album, Sandinista!.

Clash ne recule devant rien, quitte à surprendre, voire aliéner. L’album est fort long (dix-neuf morceaux) et fort varié, comme peuvent encore en témoigner le mélodique et réflexif Lost In The Supermarket ou The Card Cheat, où se cotoyent piano et trompette. Punk, peut-être, mais si peu réducteur. Le puissant Train In Vain conclut un album phare, monumental.

London Calling peut avoir des défauts, ils n’ont pas d’importance. Parce que son statut les transcende. Il est trop important, trop crucial dans l’histoire et la compréhension non seulement du rock, mais de la société elle-même, pour s’arrêter à ces aspects. Tout ça sans même évoquer la pochette.

Clampdown

Nirvana – Nevermind (1991)

folderChaque génération a son moment. Voici le mien. Nirvana n’est pas le meilleur groupe de tous le temps, a pas mal plagié à droite et à gauche, mais a réussi à toucher profondément un nombre incalculable d’adolescents de l’époque, pour qui la première vision du clip de Smells Like Teen Spirit restera un des moments les importants de leur vie.

C’est, on le sait, Smells Like Teen Spirit qui ouvre Nevermind. Que dire qui n’a pas été dit et redit, de l’intro légendaire (peut-être, mais sans doute pas, empruntée à Boston), aux paroles qui exprimaient l’angoisse, la peur à la perfection en passant par la brutalité de la production, crue, minimaliste. Derrière les fûts, pour la première fois chez Nirvana, un certain Dave Grohl, qui deviendra ironiquement un plus grande star que Kurt Cobain l’aura été de son vivant. Parce que, qu’on le veuille ou non, Nirvana, c’est Cobain.

Il n’était peut-être pas un grand chanteur, ni un virtuose de la guitare. Mais il a réussi à faire passer ses sentiments, son âme, à travers de son oeuvre, et peu de musiciens auront réussi à la faire à ce point. La ligne mélodique de Come As You Are est un bon exemple : extrêmement simple, augmentée par un leger effet, elle reste une des mélodies les plus reconnaissables des années 90. C’est d’ailleurs cet effet qui donne un étrange sentiment de malaise, amplifié par le chant décharné de Cobain.

Nevermind n’est pas loin d’être l’album parfait. Il n’y a en tout cas rien à jeter, et plus de quinze ans après, il sonne toujours très frais. Le génie, car génie il y a eu, de Cobain a été d’allier musique puissante, aux influences punk/metal/hardcore à une sensibilité pop : on se souvient des morceaux de Nirvana parce que les mélodies rentrent en tête et n’y sortent plus jamais, en tout cas pour Nevermind. Oui, il s’est fortement inspiré, pour ne citer qu’eux, des Pixies. Mais, aussi immense puisse être la bande de Black Francis, Nirvana était le groupe du peuple. Et lls auront réussi à amener un type de musique peu commerciale à ce peuple, qui en redemandera pendant des années.

Nevermind comporte toute une série de morceaux cinglants, et assez violents, même si tout est relatif : il est probable qu’il aura servi de porte d’accès aux influences de Cobain, comme Black Flag ou Hüsker Dü. Reste que l’album est somme tout assez modéré, à l’exception de Territorial Pissings : Cobain changera tout ça avec le suivant (et dernier) In Utero. Breed allie à la perfection les considérations punk et pop, les yeah yeah yeahs du refrain rappelant une des autres influences majeures de Cobain , les Beatles. Sur le plan des paroles, les psys amateurs pouvaient déjà s’y donner à coeur joie, comme sur Lithium : “I found my friends / They’re in my head / I shaved my head / But I’m not sad”.

L’album se clôture avec Something In The Way, musicalement calme mais atmosphériquement intense, et résumant somme toute bien Nevermind : un disque dense, qui n’a pas nécessairement besoin d’exprimer sa violence pour la faire ressentir. Tous les thèmes présents ici seront redéfinis pour In Utero, où l’âme de Cobain sera définitivement mise à nu. Les prémices du chef d’oeuvre de Kurt Cobain sont ici, et resteront à jamais inoubliables.

Breed
 

Muse – Origin Of Symmetry (2001)

MuseoriginofsymemtryalbumcoverMuse, de manière assez surprenante, est devenu un groupe majeur en Europe, et a même réussi à s’exporter avec succès. Cela peut s’expliquer par le caractère assez… mou du dernier album, mais en 2001, ils ont sorti un très bon opus, un des meilleurs des années 00, du rock british, etc etc, le tout en sortant de l’ombre de Radiohead, dans lequel s’était enfermé le premier album, Showbiz.

Origin Of Symmetry ne fait pas de concessions, contrairement au Muse que l’on connaît actuellement (Starlight???). Deux des trois premiers morceaux durent plus de six minutes, et comprennent, dans le désordre, des voix élastiques, des claviers tordus, un jeu de guitare très intrigant ainsi qu’une section rythmique très puissante. New Born commence calmement, avec un piano, avant de littéralement exploser avec une guitare filtrée bruyantissime. La basse de Chris Wolstenholme, arme secrète de Muse, enfonce le clou très fort. Le morceau est complexe, mais moins que Space Dementia qui sonne exactement comme son titre le fait croire. Avec les effets spéciaux des vieilles séries de SF. Et, évidemment, un break de piano music-hall. Forcément…

La première moitié de l’album est une usine à hits (enfin, hits, dans un monde utopique). Hyper Music est porté par un riff machiavélique plus lourd que Sabbath, alors qu’on pardonnera facilement l’emprunt de la ligne de basse de Sexy Boy (Air) : Plug-In Baby est parfait, le riff vaut bien le top 10 des meilleures intros de tous les temps. En plus, même si le morceau parle d’une guitare, les Freudiens ont quelque chose à se mettre sous la dent. Citizen Erased? On recommence, riff de folie, ligne de basse qui tue, batterie puissante, et ce n’était que l’intro : quand le morceau démarre, la terre tremble. Mais comme ça dure 7 minutes 19, elle a le temps de se refaire une santé, avant de définitivement s’écrouler sur elle-même. Jouissif, et un des rares albums où les claviers sont supportables. Les voix aigües, c’est limite, mais bon, on passe. Quoique Micro Cuts, c’est un petit peu over the top quand même.

Il faut attendre le neuvième morceau pour avoir un peu de calme, avec le flamenquesque Screenager. Le bizarre continue, avec Darkshines qui pourrait sortir d’un western façon Robert Rodriguez, avant que l’inattendue reprise de Feeling Good, euh, surprenne. Megalomania finit l’album dans le calme, mais un calme menaçant.

Peu, très peu de déchets dans Origin Of Symmetry qui sera très certainement toujours la quintessence de Muse, tout en étant vraiment un très bon album. Alors, que Muse devienne n’importe quoi, fasse des shows à la U2 période Pop, cela n’a pas trop d’importance, quand on sait que quoi qu’il arrive, on aura toujours Origin Of Symmetry pour se souvenir. Leur BloodSugarSexMagik, en quelque sorte.
 

Plug-In Baby
 

Jeff Buckley – Grace (1994)

Jeff_Buckley_-_GraceLa carrière de Jeff Buckley fut courte. Un seul album, et une mort accidentelle (?) trois ans plus tard, alors qu’il venait juste d’atteindre la trentaine. On passera sur l’exploitation fort commerciale, pour être gentil, de sa discographie post-mortem (huit disques jusqu’ici) pour ne s’attarder que sur Grace, album important s’il en est, car il aura influencéé toute une série de chanteurs jusqu’à ce jour, le dernier en date étant le totalement toxique Mika.

Grace, qui est sorti en plein boom alternatif, montre un chanteur exceptionnel, de la trempe des plus grands. Capable de passer d’un murmure inaudible à des aigus Mercuriens, il habite littéralement chaque morceau, des originaux Grace et Last Goodbye aux reprises Lilac Wine et Corpus Christi Carol, hymne du quinzième siècle. Il aurait pu être un vocaliste rock extraordinaire, et c’est finalement le seul reproche qu’on peut faire à Grace. C’est un album AOR, adult-oriented rock, qui ne prend pas de risques, et qui sonne très classique. En somme, des bonnes chansons, effectivement élevées par une prestation vocale hors du commun, mais qui restent relativement apprivoisées, à l’exception peut-être du Led Zeppien Eternal Life.

Reste que pour ne pas être ému par sa version d’Hallelujah, il faut être mort.

Hallelujah