Retro

Led Zeppelin – II (1969)

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600px-LedZeppelinLedZeppelinIIalbumcoverJe le jure, je ne l’ai pas fait exprès, mais le timing est intéressant : je voulais écrire sur Led Zeppelin depuis longtemps, et maintenant que je le fais, ils annoncent une reformation exceptionnelle pour laquelle plus de 20 millions de personnes ont demandé des places, en quelques heures. 20 millions. Écrire sur Led Zep, c’est bien, se décider quel album choisir, c’est autre chose. Je m’occuperai probablement de quelques autres plus tard, mais aujourd’hui, ça sera le second album, II. Pourquoi? Tirage au sort entre les quatre premiers. Ceci dit, le sort est parfois heureux. II est l’album qui a cimenté la place de Led Zeppelin dans l’histoire, et notamment grâce au morceau de pure folie qui entame celui-ci, Whole Lotta Love. 

Le riff de Robert Plant est monumental, la basse de John Paul Jones fait l’effet d’un rouleau compresseur, et la production de Jimmy Page, qui alterne les guitares entre les canaux droit et gauche rendent ce morceau complètement cinglé, mais terriblement mémorable. Encore plus dingue est le pont, où Robert Plant râle et gémit de manière tellement suggestive qu’on a surnommé cette partie "la section de l’orgasme". Orgasme, ça l’a clairement été pour le rock n roll, qui y trouve un de ses meilleurs morceaux. Difficile, voire complètement impossible de suivre un tel monument, mais Led Zeppelin fait mieux qu’essayer.

The Lemon Song envoie quelques références sexuelles subtiles, une des spécialités du groupe (après le "backdoor man" de Whole Lotta Love, Plant propose qu’on presse son citron jusqu’à ce que le jus coule…), mais rien, absolument rien ne pourrait détourner l’attention de la basse de Jones, qui est invraisemblable tout au long du morceau. Et dire qu’il a apparemment tout improvisé. Autre spécialité du groupe, mais pour laquelle on ne peut pas vraiment leur en tenir rigueur, c’est l’emprunt très peu subtil de paroles ou de sections entières d’autres morceaux. Ainsi, le début de Thank You est directement volé à Jimi Hendrix : cela reste une ballade sublime, menée par l’orgue d’un omniprésent John Paul Jones.

Heartbreaker montre le retour du riff mortel, accompagné d’un solo improvisé, rythmé par l’incroyable John Bonham, qui marquera de son empreinte l’instrumental Moby Dick : en concert, son solo de batterie pouvait durer trente minutes et se finissait souvent par un Bonham poings en sang, ayant fini sans ses baguettes lancés dans le public. On a pas ça dans un concert de Fall Out Boy. Quoi encore.. Ramble On raconte le plus simplement du monde l’histoire de Frodo Baggins (à la première personne, rien que ça). Le blues/rock/blues Bring It On Home clôture avec une classe folle un album d’une classe folle.

Led Zep allait encore être plus dingue, plus excessif, jusqu’au point de non retour. Reformation, tournée, nouvel album, qu’importe. Quel est le meilleur album, on s’en fout. Jimmy Page a-t-il vendu son âme à Sean "Satan" Combs, quoi d’autre.

II est un des albums les plus importants de l’histoire de la musique, point. 

 
Whole Lotta Love

 

Music Box

Jonah Matranga – And

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Jonah Matranga est l’exemple parfait d’un artiste dont le nom, peu connu du grand public, provoque le respect et la révérence de ceux qui le connaissent. Pionnier de l’emocore début des années 90 avec Far, il évolua petit à petit dans un registre solo plus acoustique, sous l’alias onelinedrawing, et maintenant sous son nom, se rapprochant plus d’Elliott Smith que de son compère Chino Moreno.

And, son premier album solo en tant que Jonah Matranga, est assez varié mais reste assez introverti, et éloigné des proccupations nettement plus bruyantes de ses anciens groupes Far ou Gratitude. So Long, qui entame l’album, peut en effet faire passer à Elliott Smith. Mélodie simple, accompagnement discret et efficace, paroles très poétiques et personnelles. Et tout comme le très regretté Elliott, il possède ce petit quelque chose capable de transcender un simple morceau, en faire une pièce émotionnelle et poignante, comme on le verra un peu plus loin. Heureusement, il ne sombre pas dans la noirceur et le désespoir : musicalement et thématiquement, certains morceaux portent une bonne dose d’optimisme, comme le très touchant Get It Right, ou le carrément upbeat I Want You to Be My Witness. Ceci dit, Matranga peut faire dans le morose, tout en restant profondément touchant : Every Mistake comprend un bonne dose de mélancolie, portée par quelques cordes et un orgue Hammond, I Can’t Read Yr Mind est délicieusement suranné, tandis que You Always Said You Hated San Francisco le voit promener sa voix sur la code raide. Puis, un peu plus loin, Matranga nous sort deux tubes indie potientiels, Waving Or Drowning et Not About A Girl Or Place, comme ça, au milieu de l’album, sans prévenir. Quel talent, mais quel talent étrange. Sans compter qu’il est aussi très doué pour les narrations, comme démontré dans le dernier morceau, Lost And Found.

And est éclatant. Oui, il peut sembler assez incohérent et part parfois dans tous les sens, mais il représente ce qu’est Jonah Matranga en 2007, un grand artiste, qui vient de sortir un grand album, fourmillant d’idées et surtout d’excellentes chansons. On ne peut qu’espérer qu’il continue sur cette voie pour qu’il nous apprte encore d’autres albums de cet acabit, et qui sait, connaître un certain succès commercial, réparant ainsi une grossière injustice.

Ressorties et Compilations

The Verve – Urban Hymns (1997)

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TheVerveUrbanHymnsUrban Hymns est un mythe, une légende, et un des tous grands classiques du rock anglais. Il a été quasi unanimement élu album de l’année 97, malgré qu’OK Computer soit sorti la même année. Le fait que le groupe s’est effondré peu de temps après, et vient d’annoncer se reformation est un bon pretexte pour le revisiter.

Non seulement Urban Hymns est solide en tant qu’album, mais il comprend aussi, et surtout, un hit immense : Bitter Sweet Symphony. Il ouvre l’album, tout le monde le connaît, et dix ans après il n’a pas pris une ride. Le morceau est pourtant très simple : une boucle de violons empruntés à une orchestration des Stones (qui ont scandaleusement voulu l’entièreté des bénéfices), un rythme régulier et la voix de Richard Ashcroft, clamant ses réflexions sur le sens de la vie. Formule parfaite pour morceau parfait. Mais si l’on croit que le groupe es relativement limité, la suite de l’album va prouver le contraire, comme Sonnet, qui est, au risque de me répéter magnifique, dans un mid-tempo poignant. Qui avait besoin, ces années-là, de Liam Gallagher, quand on entend ça?

Les deux premiers albums du groupe étaient moins Britpop et plus atmosphériques, éléments qui se retrouvent tout au long de l’album, surtout dans les morceaux qui ne sont pas sortis en single, et qui sont généralement plus rock, comme The Rolling People, ou Catching The Butterfly. Mais c’est sans doute The Drugs Don’t Work qui domine ici, histoire forcément vécue, et qui devrait être un classique au moins aussi intemporel que Wonderwall. L’expression parfaite de l’âme humaine traduite en accords et en mots. Le genre de chanson qui fiche la chair de poule à chaque fois, et qui fait qu’on s’arrête dès qu’elle commence, pour l’écouter jusqu’au bout. Terrible.

Forcément, tout l’album n’atteint pas ce niveau, et ce n’est d’ailleurs pas son but : le groupe aime se complaire dans une certaine ambiance éthérée, aux antipodes de la Britpop de l’époque, comme dans un Neon Wilderness frôlant la rythmique trip-hop. Urban Hymns est l’album le moins tubesque de la période Britpop, contrairement à, par exemple (What’s The Story) Morning Glory? ou The Great Escape, chaque morceau n’est pas un single potentiel. Mais c’est aussi le plus dense, peut-être le plus authentique. La seconde moitié est d’ailleurs nettement moins accessible que la première, à l’exception du single Lucky Man, sans doute le moins potent des quatre. One Day continue dans le sublime, et arriverait, si comparaison devait être faite, aisément au dessus des tubes surévalués de U2, par exemple.

Urban Hymns ne comprend pas vraiment de morceau de remplissage, même si les fans des singles ont sans doute été surpris par le reste de l’album. Come On conclut l’album par un déferlement de guitares limite shoegaze, et le fait très bien, comme le meilleur morceau qu’Oasis n’aura jamai eu le talent de créer. Comme évoqué plus haut, le groupe s’est violemment séparé, et à part quelques albums mineurs pour Ashcroft et la pige de Simon Tong chez Damon Albarn, on a plus entendu grand chose des cinq de Wigan, jusqu’à une reformation qu’on espère motivée, pour une fois…

 

The Drugs Don’t Work

Music Box

Black Francis – Bluefinger

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Charles Michael Kittridge Thompson IV, plus connu ces dernières années sous le nom de Frank Black, sort un nouvel album. C’est déjà le quinzième depuis le dernier Pixies, et vu leur qualité très inégale, on devrait s’en foutre pas mal, surtout que tout ce qu’on attend, c’est un nouveau Pixies histoire de se lamenter encore un peu plus. Mais un détail change tout : pour la première fois en quinze ans, Charles reprend son pseudo Pixies : Black Francis. Alors, on se met à rêver d’en retour à la gloire bruyante de ses jeunes années, à tort ou à raison? Un peu des deux, forcément.

Bluefinger tient plus de Pixies que la quasi totalité de ses albums solo, la basse qui débute l’album fait penser tout de suite à Kim Deal, même si le morceau se serait plus aisément retrouvé sur Trompe Le Monde. Et même si la voix de Frank, Black, Charles, n’est plus trop ce qu’elle était, on continue, avec plus d’amusement que d’excitation, vers l’excellentissime Threshold Apprehension, déjà présent sur le récent best of (mais en version raccourcie). Digne de Pixies, le morceau nous fait croire au miracle. Il crie, il recommence à crier, comme si rien ne s’était passé. Surtout qu’on a même des backing vocals féminines, et une basse puissante et vibrante. Malheureusement, on se rend compte que ce n’était pas le but de l’artiste, de secouer les vieux fantômes. Bluefinger, par ailleurs un album apparemment concept sur le Pete Doherty batave Herman Brood, n’est pas le nouveau Pixies, ni même un retour particulièrement brillant de la part de Black. La basse est trop présente, et, pour tout dire, il manque un Joey Santiago. Mais il est tout de même plus appréciable et écoutable que la majorité de sa production solo.

Retro

Grandaddy – The Sophtware Slump (2000)

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TheSophtwareSlumpCoverAprès une dizaine d’années d’activité, Grandaddy a mis la clé sous le paillasson l’an dernier. The Sophtware Slump est généralement considéré comme leur meilleur album, et est en tout cas un disque attachant et digne d’intérêt.
Le monde de Grandaddy est celui du frontman Jason Lytle et de son univers étrange, ici fait de robots humanoïdes poètes, d’ambiances sci-fi, de guitares lo-fi et d’une voix particulière rappellant Neil Young, à défaut d’une meilleure comparaison. Même si quelques extraits valent clairement le détour, c’est le tout qui fait de The Sophtware Slump un album majeure, et une des pierre d’achoppement de l’indie US des années 2000.
Les choses ne se passent pas facilement, et ce dès le départ : He’s Simple He’s Dumb He’s The Pilot ouvre l’album et dure presque neuf minutes, en passant par différents mouvements, reliés par une ambiance particulière, qui se retrouvera tout au long de l’album. Samples, claviers sortis de Silicon Valley et feedback rêveur en ferait la bande originale parfaite pour un western steampunk (en voilà une idée, tiens). Il est difficile de pointer des influences particulières, mais cette façon de bricoler des morceaux charmants à partir de pas grand chose reste mémorable, comme les deux imparables Hewlett’s Daughter et The Crystal Lake, où la voix très touchante de Lytle est mélancolique à souhait.
L’album comprend aussi des ballades qui semblent mener nulle part, et qui content des histoires surréalistes de robots et de nettoyage d’égouts, tout comme des morceaux nettement plus rentre dedans, avec des guitares maltraitées qui sonnent plus lo-fi qu’une démo de Dinosaur Jr. Broken Household Appliance National Forest combine les deux, alliance improbable de pédales fuzz et de micro-ondes dysfonctionnels.
Grandaddy fut un groupe attachant, qui, sans jamais trouver une large audience (et sans la chercher, non plus), aura réussi une bien belle carrière, influençant nombre de formations indie contemporains, tout en restant éminemment écoutable aujourd’hui. Respect.

The Crystal Lake

This is my music box, this is my home. Since 2003.