Music Box

Grinderman – Grinderman

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Parfois, même les stars les plus aguerries, les plus connues, ont envie de retrouver l’anonymat d’un groupe, l’envie de retrouver les émotions des débuts. Bien sûr, Nick Cave n’est pas David Bowie, mais Grinderman, heureusement, n’est pas Tin Machine non plus. Composé de quatre Bad Seeds, mais animé d’intentions nettement plus organiques que leurs récents travaux (cependant excellents), Grinderman est direct, bruyant, habité, et tout à fait recommendable, nettement plus que la majorité des projets parallèles.

L’album commence avec une guitare pourrie à la Ron Asheton, et Nick Cave, dans son rôle de prophète du rock n roll. Get It On est puissant, totalement sous-produit, mais animé d’un énergie étonnante, surtout de la part de vétérans. Cave plonge ses paroles dans les tréfonds de l’âme humaine, voire dans ceux du pantalon (le très explicite No Pussy Blues). Ce même No Pussy Blues, qui après 90 secondes, se lance dans un solo de guitare fuzz à la J Mascis complètement déjanté, inattendu mais tellement rafraîchissant. Nick Cave, qui ne l’avait jamais fait auparavant, est lead guitariste ici, ce qui a causé la simplification des morceaux, pour se conformer à son style rudimentaire. Comme quoi, quelqu’un qui joue avec son coeur (et ses couilles, dirait-il sans doute) vaudra toujours mieux que 1000 Yngwie Malmsteen. Et Cave n’est pas le seul, la batterie de Jim Sclavunos et la basse de Martyn P. Casey sont le complément idéal à sa voix, et retournent les tripes dans tous les sens. Depth Charge Ethel et sa rythmique (et choeurs) très Rolling Stones peuvent le confirmer.

Iggyismes mis à part, la voix de crooner de Cave est toujours présente, comme sur l’inquiétant Electric Alice, probablement un morceau que Charles Manson analyserait dans tous les sens. La folie bruyante se calme vers le milieu de l’album, mais pas les imprécations de Nick Cave, qui peut vraiment parler de tout et de n’importe quoi, qui lirait le bottin et sonnerait très inquiétant. Honey Bee (Let’s Fly To Mars) reprend le fuzz de Mudhoney, un des seuls groupes dont l’intensité viscérale peut se rapprocher de Grinderman. Mais ici, Nick Cave imite le bruit des abeilles. La fin est plus blues que punk, mais il faut bien revenir aux origines.

Parfois cacophonique, jamais gratuit, Grinderman est une surprise, parce qu’on n’imaginait pas que ces quatre types soient à ce point capables de se remettre en question. Si seulement le nouveau Stooges pouvait être aussi puissant… On le verra dans quelques jours, en attendant, voici un des albums de l’année.

Music Box

Chimaira – Resurrection

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Parfois, je me demande pourquoi je ne parle pas plus de metal sur le site. Et franchement, je n’en sais rien. Maintenant, il est vrai que ça fait déjà un petit temps qu’un album/group metal m’a marqué, même si j’ai honteusement oublié de chroniquer Lamb of God l’année passée. On pourrait dire que les années nu-metal ont affaibli le genre, ce qui est très discutable. Ce qu’il l’est déjà moins, est le fait que ces groupes douteux ont contribué à la perte de crédibilité du metal, dont le succès commercial est maintenant plus ou moins limité à Evanescence et Linkin Park. Chimaira, quant à eux, ont eu un parcours amusant, ou du moins atypique.

Ils ont en effet commencé comme un groupe nu-metal typique, avec guitares detunées, avant de virer vers le metalcore, voire carrément vers le death, comme le montre Resurrection. Dès le premier morceau, on comprend tout de suite qu’on n’est pas chez Limp Bizkit (remember?) : grosse, très grosse batterie et double bass drums, une voix typiquement death, et même des synthés et samples limite goth, pas Cradle of Filth (heureusement) mais quand même. Le tout est jouée à une allure folle, sans être très éloigné des canons du genre, mais exécuté à la perfection. Rapidement, après quatre morceaux, le ton change, avec l’épique Six (apparemment pas inspiré de Battlestar Galactica, quel dommage), et ses 9 minutes 45 qui bougent dans tous les sens, avec une intro prog et du riffage très compétent tout le long. On regrettera peut-être les thèmes fort classiques, et assez prétentieux, mais bon, on parlait de canons du genre…

Ceci dit, malgré quelques morceaux de bravoure, dont, surtout, la batterie implacable d’Andols Herrick, la suite de l’album se contente d’enfoncer des portes déjà ouvertes. Chimaira les enfonce avec des béliers fourrés à la poix incandescente, d’accord, mais les portes sont ouvertes quand même. Chimaira, et cet album en particulier, reste un excellent groupe, un bon niveau au dessus des infâmes Trivium. Cependant, maintenant qu’ils ont monté toute l’étendue de leur talent, passant d’un sous-genre à un autre avec aise, on aimerait qu’ils trouvent leur propre voie, et qu’ils fassent évoluer le metal moderne. Ils en sont sans doute capable, on peut encore leur laisser un peu de temps. Mais pas trop.

Retro

Therapy? – Troublegum (1994)

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folderPour des raison parfois difficiles à comprendre, certains groupes connaissent un succès important dans certains pays, et pas dans d’autres. C’est, ou du moins c’était, le cas de Therapy?, groupe nord-irlandais qui a connu, entre les années 94-98 un grand succès en Belgique, qui s’est confirmé par un beau paquet d’apparitions en festival, et en concert au quatre coins du pays (et pas seulement aux typiques Werchter/Pukkelpop/Bruxelles).

Le succès commercial commença avec cet album, leur second album complet. Par chance, il sortit en même temps que la fin de la vague grunge, ce qui poussa les média à les voir comme sauveurs du rock et trucs de genre, ce qui peut toujours être utile pour vendre des disques. Le single majeur de Troublegum, Screamager, sortit un an plus tôt (Shortsharpshock EP) et se retrouve carrément dans le top 10 anglais. L’album connut aussi un grand succès, notamment grâce aux autres singles, Nowhere, Turn, Die Laughing et Isolation.

Tout cela est très bien, mais que vaut l’album? Et bien, il est très bon. Alliant le mal-être de la période grunge à des riffs punk rock, le tout emmené par une section rythmique assez exceptionnelle, la musique de Troublegum pouvait atteindre un maximum de personnes aux oreilles pas trop bouchées. Les morceaux sont accrocheurs (oserais-je dire pop?) tout comme la voix d’Andy Cairns (le type le plus sympathique du rock). Mais la puissance, et parfois la violence ne sont pas négligées, tout au long de quatorze morceaux d’apparence assez simples (Cairns était à l’époque le seul guitariste) mais marquants. Knives, par exemple, compresse en moins de deux minutes la puissance de Black Sabbath qui se fait bastonner par Bad Brains, alors que les singles déjà cités sont un mélange parfait entre mainstream radio (enfin, pour 1994, 13 ans après les choses ont hélas changé) et rock n roll. D’autres tracks, comme Hellbelly ou Stop It You’re Killing Me apportent leur lot de riffing frénétique, et l’excellente reprise de Joy Division (Isolation) confirme les thèmes omniprésents : la solitude, le désespoir, le manque de confiance, voire la folie.

Vers la fin de l’album, Unrequited ajoute quelques accords de violon, qui seront longtemps présents dans la vie du groupe, grâce à Martin McCarrick, qui deviendra plus tard leur second guitariste. Car Therapy?, en 18 ans de carrière toujours en cours, n’aura jamais fait deux fois le même album. Troublegum n’est sans doute d’ailleurs même pas leur meilleur. Le succès commercial durera encore un album, Infernal Love, leur plus commercial (avec les singles Diane et Stories), avant que le très troublé Semi-Detached leur fasse vivre un No Code.

Albums Live

Korn – Unplugged

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Dans le genre idées géniales, MTV a décidé de relancer sa célèbre série, qu’on ne présente plus. Celle-là même qui a permis à Alice In Chains, Pearl Jam et Nirvana d’enregistrer des sessions mémorables, et à Lauryn Hill de se ridiculiser totalement. Demander à Korn d’enregistrer un Unplugged, c’est un peu Damien Rice au Graspop, ou Jay-Z au festival national annuel du KKK. Mais bon, donnons-leur le bénéfice du doute, en sachant qu’ils ont un paquet de bons morceaux, et qu’on pourrait être surpris par l’inventivité des nouveaux arrangements.

Et tant qu’à faire dans la démesure, autant commencer par leur morceau le plus populaire, Blind, créateur de moshpit par excellence, ici arrangé en version flamenco. Jonathan Davis, le chanteur très habité, à l’habitude de chanter ses morceaux d’une manière assez particulière, qui leur convient très bien. Ici, il doit bien chanter, et on entend que des années d’excès n’ont pas fait beaucoup de bien à sa voix. Au moins, il essaie, mais le problème, c’est que le naturel revient bien vite au galop, et Davis se remet à hurler (avec un peu de retenue, quand même). Ce qui fait qu’on se retrouve devant le Korn qu’on connait, mais avec des guitares acoustiques et un piano. Pas bien. Même chose pour le choix des morceaux, qui reprend les plus gros hits du groupe, sans penser que leur traduction acoustique serait impossible. S’inspirer de Nirvana aurait été la bonne voie.

Encore moins bien, est la reprise de Creep (de Radiohead, hein, pas des Stone Temple Pilots). On se rend bien compte que le thème du morceau colle bien avec Jon « Caliméro » Davis, mais quand même, on l’a trop entendue et elle est impossible à reprendre correctement. Les surprises ne s’arrêtent as là, puisque Amy Lee, des très dispensables Evanescence vient pousser la chansonnette sur Freak On A Leash.

L’album se sauve de la poubelle vers la fin, quand Robert Smith et ses joyeux lurons viennent reprendre In Between Days, sandwichée avec Make Me Bad, avant qu’il ne se termine avec Throw Me Away, ou les percussions japonaises viennent apporter une nouvelle dimension bienvenue. Mais c’est déjà fini. L’album dure 44 minutes pour 11 morceaux, alors que 14 avaient été enregistrés. Il apparaît donc que 3 morceaux n’étaient même pas assez bons pour figurer sur le disque, qui restera à jamais classé comme mauvaise idée. Ceci dit, Korn reste un des groupes heavy les plus inventifs, et le prochain album (qui sort en juin) sera sans doute fort intéressant. Plus que ceci.

Music Box

Arcade Fire – Neon Bible

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Totalement inconnus il y a trois ans, révélés grâce à la « blogosphère » (je jure que je n’utiliserai plus jamais ce mot), et potentiel mega-groupe à la U2/REM, la joyeuse troupe canadienne d’Arcade Fire arrive à l’heure de la confirmation, avec le fameux second album. Funeral était énorme, habité, original et passionné, on ne pouvait qu’espérer que Neon Bible puisse confirmer, et si possible pousser la formule plus loin encore.Que constate-t-on? Qu’Arcade Fire a bien compris ce qu’on attendait d’eux, et le produit.

Une instrumentation variée, ou la guitare est en retrait par rapport à la basse, au piano et au violon (Owen Pallett, alias Final Fantasy). La voix habitée de Win Butler, et les choeurs très Kim Deal de Régine Chassagne. L’ambiance, toujours particulière, parfois oppressante, parfois surannée, parfois angélique. Et la puissance générale, marquée dans l’instrumentation poids lourd de No Cars Go, ou dans le très très Springsteen Intervention.

Tout cela est très bien, mais. Quoi, mais? Mais reste une impression étrange, une impression d’une certaine impersonnalité (un comble!), voire pire, d’une sorte d’artificialité désagréable. Les paroles anti-guerre, anti-religion organisée et anti-USA, par exemple.

Comme si Arcade Fire avait compris ce qu’on attendait d’eux, et a produit ce disque comme on produit un Big Mac. On sait ce qu’on attend, et si on le demande, c’est qu’on aime, probablement. Mais il reste que c’est vachement difficile à digérer, et Neon Bible est lourd. Lourd, et limite indigeste, à force de nappes de claviers, couches de violons et voix pesantes.

Avec cet album, Arcade Fire prouve plusieurs choses : d’abord, qu’ils sont capables de bonnes choses; ensuite, que le chemin le plus court entre deux points reste la ligne droite. Mais les lignes droites, c’est bien, pour Coldplay, et d’autres groupes qui ne font que ce qu’on attend d’eux, sans surprendre, sans âme. Arcade Fire sera peut-être un jour aussi gros que U2, ou que Coldplay, justement. Et alors?

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